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BARBARA:¿CUALES SON LOS PASOS QUE TE HAN HECHO ACERCAR AL ARTE?
Los primeros recuerdos que tengo, aparecen garabatos; los pintaba en las puertas del baño, en las paredes. En esos años los niños no teníamos el material que hay ahora. Actualmente desde la infancia, hay una iniciación en desarrollar los sentidos hacia el mundo de la plástica. Entonces esto no existía, pero yo tenía una predisposición que me movía a hacer cosas con los lápices. Durante la adolescencia me gustaba la pintura, iba a ver exposiciones pero de una manera circunstancial. En el colegio, las mejores notas siempre las tenía en dibujo y eso fue determinante para que mi padre pensase en buscar una profesión que fuera acorde con mis aptitudes y estudié delineación. De los quince a los veinte años, viví una juventud maravillosa sin ninguna preocupación por pintar, ajeno a lo que vendría después. Fue en el servicio militar cuando ocurrió algo especial, tenía mucho tiempo para pensar y me dí cuenta que existía una tendencia hacia todo lo relacionado con el Arte. Retomé el dibujo, visité algún museo y a partir de ahí, comencé a pintar de una manera autodidacta.
BARBARA:¿QUÉ TIPO DE PINTURA HACÍAS?
Era una pintura totalmente figurativa, el referente eran los impresionistas y la escuela valenciana del s XIX, José Sorolla, Ignacio Pinazo, Cecilio Plá, José Navarro etc. En aquel momento era el prototipo de pintura que me gustaba.
Me compré una caja con pinturas, un caballete y salía a pintar los fines de semana, al aire libre, en lugares peculiares, rarísimos, y recónditos. Desde siempre me ha atraído el movimiento, y en las acequias, encontraba los motivos del agua con sus reflejos y transparencias.
Hice amistad con alumnos de Bellas Artes que iban a pintar a los jardines de Viveros y al Botánico, y me uní a ellos. Esto fue muy importante para aprender, porque realmente yo no sabía. Pintaba de manera intuitiva y todo lo que había aprendido era viendo y fijándome en los libros. Esto me hizo dar grandes avances y muy positivos en ese período. Dedicaba horas viendo los cuadros que me encantaban; me fijaba en como los habían hecho, si utilizaban éste o aquél color y cómo los ponían, si la línea era así o iba para allá…Ése fue un poco el aprendizaje que tuve en la primera fase de mi pintura.
BARBARA:COMENTAME SOBRE LA EVOLUCIÓN QUE HA HABIDO EN TU PINTURA.
Desde el comienzo me fijé en lo que me gustaba y eso era todo figurativo. Cánones académicos que me ayudaron a tener una valoración disciplinada de las formas y una dimensión exacta del espacio.
Así que empecé siendo figurativo en la Facultad, seguí siendo un pintor muy amarrado, en el sentido de querer aprender mucho sobre la representación humana. Era como un reto personal porque hasta entonces había pintado muchos paisajes pero nada de figura humana, y además, quería hacerlo de memoria. Puse mucho interés en la asignatura de Anatomía y me sirvió para desarrollar trabajos de carácter expresivo que mantuve durante algunos años tanto en la pintura como en el grabado.
Pero recuerdo que en el último curso de pintura algo ocurrió que me dije: “Bueno, necesito otra cosa, otro tipo de lenguaje, de pintura…”, y empecé a pintar cuadros geométricos, comenzaba con una simbología, con elementos que aparecían allí sueltos pero que en sí no eran determinantes. Eran formas que me atraían y las iba poniendo, así comenzó todo.
BARBARA:¿QUÉ PAPEL TIENE EL GRABADO ENTONCES?
Con el grabado seguí haciendo figuración durante unos años. En aquellos tiempos sentía una preocupación y es que mi pintura iba por un sitio y el grabado por otro, tenía una lucha interior que me indicaba que no podía ser. Debía de buscar un camino que unificase la pintura y grabado. Hubo un momento que la figura ya no me llenaba, los dibujos se quedaban muertos, no me decían nada, aquello no tenía sentido. Y empecé a interesarme por pequeñas figuritas geométricas, que las iba agrupando y creando el espacio. Cientos, miles, llegó un período que era desbordante. Ha sido y a día de hoy continúa siendo el trabajo más personal que he realizado.
En estos momentos he conseguido lo que quería por entonces, que la pintura y el grabado fueran juntos, formando un todo, y no por separado.
BARBARA:LA RELACIÓN ENTRE MUSEO Y GALERÍAS ES UN PAPEL FUNDAMENTAL EN EL MUNDO DEL ARTE.
Deben de ser mundos complementarios. Si la parte pública (museo) está fallando por diferentes motivos, y lo fundamental son los recortes económicos, eso va arrastrar al resto, galerías, coleccionistas, artistas etc.
Hay que estar muy adentro para saber los entresijos en las relaciones de los diferentes grupos. Existen muchos intereses personales, y donde se cuece dinero, hay tiburones que sacan tajada.
Sin embargo hay algo fundamental y es que cada uno de los actores que intervienen debe saber hacer bien su cometido, tanto profesional como ético. Y esto no existe, salvo alguna excepción.
Además de la crisis económica, hay que tener en cuenta que el arte en este país no ha sido nunca un puntal de coleccionismo; políticamente no se le da empuje ni importancia, sólo en momentos de vacas gordas se ha impulsado la creación de museos, muchas veces desmesurados, absurdos y desatinados. No se ha tenido en cuenta a quién iba destinado, ni su mantenimiento, ni al contenido de obras etc. Todo gobierno autonómico quería tener su museo, porque le daba prestigio, y era muy moderno. Ahora la mayoría si no cierran están parados y haciendo exposiciones sin ningún interés y de nivel mediocre.
Luego el daño añadido con la subida del IVA al 21%, lo que está suponiendo el cierre de galerías y espacios de arte, no hay ventas y de esta manera no pueden seguir.
Y por último los artistas. El eslabón final de la cadena, desde siempre un colectivo que va por libre, cada uno vende lo que puede sin ninguna ayuda de nadie y buscándose la vida casi siempre, amparada por otra profesión que le da el dinero para subsistir. Mucho se debería cambiar para que tuviera otro rumbo y las cosas tuvieran la importancia que se merecen.
BARBARA:¿QUÉ OPINAS DE CÚANDO ESTABA CARMEN ALBORCH , DIRECTORA DEL IVAM?
Ella fue la segunda directora, y como en todos los comienzos de un proyecto, con ilusión por hacer del IVAM la pinacoteca más importante del panorama artístico español. Hizo que tuviera un prestigio nacional e internacional, en la difusión de la obra permanente de Julio González y forjó continuidad en la creación de la colección del Museo. Además se hizo hincapié en tener una colección de fotografía importante, que en aquellos años aún no existía en ningún museo, ni se había desarrollado como iba a ocurrir en los siguientes.
Todo hay que decirlo, estaba todo por realizar y el trabajo aunque sería duro y complejo, también sería muy apasionante y gratificante.
Ella le dio una aureola de modernidad que fue referencia nacional y años de esplendor que alcanzaron el prestigio internacional que ahora tiene. Una prueba de ello es que después sería nombrada directora del Museo de Arte Reina Sofía, en Madrid.
BARBARA:EL IVAM Y EL CENTRO DEL CARMEN NACEN PARA EL ARTE CONTEMPORÁNEO, EL MUVIM ESTÁ ENFOCADO EN OTROS ASPECTOS …
Hace años El Centro del Carmen albergaba la escuela de Bellas Artes de San Carlos. Al comienzo de la democracia hubo cambios en todas las instituciones y la escuela de Bellas Artes pasó a la Universidad Politécnica. Durante años el Centro permaneció cerrado y en un momento dado se rehabilitó y pasó a formar parte del IVAM.
Un lugar carismático y bellísimo donde los haya; reúne unos espacios muy amplios en los cuales se hicieron exposiciones de mucha envergadura, con instalaciones y esculturas de grandes dimensiones y formatos…
Volvió a cerrarse otros tantos años, no sé ¿Por qué?. Y de nuevo rehabilitaciones de otros espacios que se fueron adhiriendo al conjunto que en estos momentos permanece abierto, haciéndose exposiciones e incluso en el período de verano, conciertos…
Toda esta inercia, ahora cierro, ahora abro, uso para esto, ahora uso para esto otro. No llegas verdaderamente a saber ¿Por qué? Pero obedece a mecanismos de tipo político.
En el caso del MUVIM el problema, desde mi punto de vista, es el uso para que fue construido (De la IIlustración) y la realidad en que se ha quedado; un museo multidisciplinar que no ha tenido mucha aceptación, bien por la propia conformación del edificio o por la falta de contenidos atractivos y la difusión que no tiene.
Por supuesto, al igual que el resto de los museos valencianos, dependientes de direcciones y puestos de confianza del partido político que toque.
Las Instituciones culturales deben tener un ámbito independiente en cualquier terreno político. Los puestos de dirección tienen que primarse por aspectos profesionales y de prestigio, estar avalados por mecanismos de oposición y comités que sepan valorar el personal más cualificado para la función que van a realizar.
Todo ello contribuirá a dar resultados similares a cualquier centro con reputación y respuestas al ciudadano, de en qué se gastan las partidas del presupuesto.
BARBARA:HAY GENTE QUE SE QUEDA FUERA DEL MERCADO DEL ARTE O DE LAS INSTITUCIONES.
¿POR QUÉ NO SE RECONOCE EL TRABAJO DE LOS ARTISTAS?
Esta pregunta es para estar hablando horas. Hay puntos que no se pueden explicar con una sola respuesta, porque implica muchos extractos, personas, grupos sociales y eso involucra a un debate amplio.
Desde el año 2007 estamos inmersos en la crisis más grande que he conocido. Una situación que ha destruido la clase social media convirtiéndola en una clase social pobre. Hoy después de cinco años todo está convulso, con una tasa en desempleo que ronda los cinco millones de personas, irregularidades en los trabajos que generan malestar y tensión en todos los ámbitos sociales: económicos, sanitarios y culturales.
Durante años en este país han entrado cantidades enormes de dinero para la ayuda en su desarrollo y vivir al nivel del resto de países de la Unión Europea. Todo esto ha contribuido a pensar que éramos un país con una economía fuerte y poderosa. Parecía que todo el mundo disponía de dinero para gastar sin ningún reparo y ese ídolo de barro se cayó. Ahora estamos padeciendo esa triste realidad y en general esa es la situación.
Si todo eso lo extrapolamos a la parte artística, la dificultad se acrecienta. Antes ya existía el problema, porque no nos engañemos, ya lo dije antes: “En este país al mercado del Arte no se le ha ayudado lo suficiente para crear un colectivo de coleccionistas”. Esto es Cultura y ese aforo son minúsculos. La gente ha gastado en pisos, coches, ropa, viajes, restaurantes etc., pero… ¿Para comprar Arte?, una minoría. Además la palabra acompañada de la frase hecha: ¡Invertir en Arte es un negocio!… vamos a ver, el Arte no tiene la finalidad de hacerse ni comprarse para un negocio. Habrá artistas que puedan vivir de su arte, de lo que hacen, pero para la mayoría no me creo que haya vivido del Arte. Porque no existe una demanda para comprar Arte, no hay cultura para el Arte, esto no es de masas, eso es lo que hay que entender. Y el que piense lo contrario se está engañando.
La mayoría de los artistas antes o después hemos tenido que vivir de trabajos suplementarios.
Te estoy hablando de manera general. ¡Claro! que se han apoyado proyectos y artistas, se han dado dotaciones de dinero para ésta u otra exposición, pero esto es puntual. No se puede pretender que todo un colectivo viva del trabajo que hace, pero sí apoyar con medios para acceder a posiciones importantes en el mercado nacional e internacional.
La realidad es que esto es una selva, donde hay mucha gente involucrada con diferentes criterios e intereses, cada uno va por libre hace lo que sabe y encuentra lo que puede.
BARBARA:PASAMO A TU TRABAJO.
Durante nuestra conversación recuerdo que te hablé del planteamiento que en un momento determinado hago de mi trabajo. Hubo un cambio en las formas y en los conceptos de pintar.
Comencé desechando poco a poco lo que conocía, e interesándome por una idea a desarrollar y que el resultado fuese consecuencia de un todo. Un cuadro no debía ser independiente, tenía que estar precedido por uno y ser enlace y continuidad de otro, otro y otro. Así fue como empecé con las series.
Toda mi obra se caracteriza por ese principio. Esta forma de trabajar me permite desarrollar una obra muy extensa y diversa, y a la vez estar unificada.
La idea comienza y va desarrollándose con elementos, formas y colores que voy tanteando, quitando o poniendo. Todo es producto de la reflexión que se plasma en dibujos, notas etc. Trabajo, trabajo y más trabajo, esa es la ley.
Además hay que entender que la pintura está pegada a quien la hace, y por tanto va cambiando en la medida que uno sigue la vida. Hubo momentos que hice cuadros matéricos, con colores acrílicos, luminosos, ricos en matices y cargados de un componente lírico. Siempre buscando, con curiosidad, empleando técnicas que dieran soluciones diferentes a lo establecido. Toda esa “cocina”, ha estado sometida al tipo de actividad que hacía y nunca he descartado ningún material, que en un momento u otro, puede ser utilizado para crear una obra.
En cuanto al grabado, también ha tenido cambios, aunque menos; pero la misma forma de trabajo: una idea a desarrollar, sin saber cuando finalizará. De hecho aún sigo con una serie desde el año 1997, comenzó hace dieciséis años con esta técnica y hace tres que he encontrado el medio para llevarla a la pintura.
Esta última serie, podría calificarla de sobria, de pocos medios, monocolor, sin estridencias y abierta a nuevos espacios, de ejecución directa y sencilla. Una caligrafía, cargada de estructuras geométricas que abren un abanico de semejanzas con la arquitectura que nos rodea. En ese entorno de mínimos, se despliega un enjambre visual de semejanzas, en las que el espectador puede reconocerse con el hábitat que nos rodea.
Hoy puedo decir, que la ilusión que mantengo por hacer mi trabajo, es la riqueza de mi vida.
BARBARA:LA IMPORTANCIA DEL COLOR EN TU OBRAS.
Mi trabajo nunca ha sido contar nada. Hay personas que cuando hacen una obra le dan un carácter narrativo, yo no. Nunca he tratado de contar de manera descriptiva lo que está ocurriendo en el cuadro. Cada persona ve un cuadro, y dependiendo de lo que está viendo, puede crearse una razón de ese cuadro. En mi caso ni me lo planteo. El trabajo parte de una idea, de un concepto y a ese valor intento sacarle toda la sangre que puedo. El color aunque pueda parecer lo contrario es un aditivo al todo. Lo que sí intento es hacer un análisis de los colores para que formen armonía, que exista un equilibrio entre ellos, y que sus efectos sean resultado del estado anímico en que me encuentre. Yo pinto con sensaciones y con los poros de la piel.
Soy una persona positiva y los colores me han encantado siempre, son mágicos y llenos de respuestas.
Ahora, curiosamente, me encuentro en un período monocromático.
Muchas veces aparecen contradicciones, y te dije también en su momento, que me interesaban mucho más las preguntas sobre la pintura que las respuestas que se daban. A medida que pasan los años, te das cuenta que en pintura sabes menos, tendrás más experiencia, pero se abren espacios que no veías y no eras consciente que estaban ahí.
Los cuadros tienen un sentido emocional, no narrativo. Evidentemente en el momento que pones un solo trazo con un color, ya estás diciendo cosas, pero el lenguaje no es contar un hecho formal, sino algo que sale de las entrañas, y en la que depende la formación y sensibilidad del receptor para que le llegue esa obra.
Todo son preguntas, cada vez más y más. No se nada del cuadro que voy a pintar, lo que va surgir, ni lo que va a nacer de una tela en blanco. Pero hay un momento en que aparecen aspectos y solución en ese cuadro y comienza su realización. Lo grandioso del Arte es tener ilusión para seguir trabajando, indagando, buscando siempre, no sea que acabemos pintando siempre la misma pintura.
Es un mundo complejo, un desierto dónde debes encontrar un camino pero que existen otros; encontrar esa vía es la identidad que va a tener el trabajo que realizo, en mí caso, la naturaleza es la ruta a continuar.
Recuerdo una reflexión del catálogo en la exposición que hice en Lametro: “La naturaleza, es la fuente de dónde emana toda la información de formas, espacios y colores, trasformándose en un mundo interior en el que las emociones son las claves de mi pintura. Una pintura que debe ser vista a través de técnicas y perspectivas con una significación espiritual. El espectador debe olvidarse de una realidad y adentrarse en un mundo de recuerdos y sueños, retrocediendo al origen.
La mirada de la naturaleza contemplada con el conocimiento visual se ha transformado en un espacio que era invisible a los ojos y que mediante las tecnologías actuales podemos descubrir. Mundos que eran desconocidos y que están ahí”.
Barbara Bacconi,
Abril 2013
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Etiquetas: Barbara Bacconi, Dialogando con el artista, JOSE VICENTE GUERRERO TONDA
