BARBARA:¿CUALES SON LOS PASOS QUE TE HAN HECHO ACERCAR AL ARTE?
Los primeros recuerdos que tengo, aparecen garabatos; los pintaba en las puertas del baño, en las paredes. En esos años los niños no teníamos el material que hay ahora. Actualmente desde la infancia, hay una iniciación en desarrollar los sentidos hacia el mundo de la plástica. Entonces esto no existía, pero yo tenía una predisposición que me movía a hacer cosas con los lápices. Durante la adolescencia me gustaba la pintura, iba a ver exposiciones pero de una manera circunstancial. En el colegio, las mejores notas siempre las tenía en dibujo y eso fue determinante para que mi padre pensase en buscar una profesión que fuera acorde con mis aptitudes y estudié delineación. De los quince a los veinte años, viví una juventud maravillosa sin ninguna preocupación por pintar, ajeno a lo que vendría después. Fue en el servicio militar cuando ocurrió algo especial, tenía mucho tiempo para pensar y me dí cuenta que existía una tendencia hacia todo lo relacionado con el Arte. Retomé el dibujo, visité algún museo y a partir de ahí, comencé a pintar de una manera autodidacta.

BARBARA:¿QUÉ TIPO DE PINTURA HACÍAS?
Era una pintura totalmente figurativa, el referente eran los impresionistas y la escuela valenciana del s XIX, José Sorolla, Ignacio Pinazo, Cecilio Plá, José Navarro etc. En aquel momento era el prototipo de pintura que me gustaba.
Me compré una caja con pinturas, un caballete y salía a pintar los fines de semana, al aire libre, en lugares peculiares, rarísimos, y recónditos. Desde siempre me ha atraído el movimiento, y en las acequias, encontraba los motivos del agua con sus reflejos y transparencias.
Hice amistad con alumnos de Bellas Artes que iban a pintar a los jardines de Viveros y al Botánico, y me uní a ellos. Esto fue muy importante para aprender, porque realmente yo no sabía. Pintaba de manera intuitiva y todo lo que había aprendido era viendo y fijándome en los libros. Esto me hizo dar grandes avances y muy positivos en ese período. Dedicaba horas viendo los cuadros que me encantaban; me fijaba en como los habían hecho, si utilizaban éste o aquél color y cómo los ponían, si la línea era así o iba para allá…Ése fue un poco el aprendizaje que tuve en la primera fase de mi pintura.

BARBARA:COMENTAME SOBRE LA EVOLUCIÓN QUE HA HABIDO EN TU PINTURA.
Desde el comienzo me fijé en lo que me gustaba y eso era todo figurativo. Cánones académicos que me ayudaron a tener una valoración disciplinada de las formas y una dimensión exacta del espacio.
Así que empecé siendo figurativo en la Facultad, seguí siendo un pintor muy amarrado, en el sentido de querer aprender mucho sobre la representación humana. Era como un reto personal porque hasta entonces había pintado muchos paisajes pero nada de figura humana, y además, quería hacerlo de memoria. Puse mucho interés en la asignatura de Anatomía y me sirvió para desarrollar trabajos de carácter expresivo que mantuve durante algunos años tanto en la pintura como en el grabado.
Pero recuerdo que en el último curso de pintura algo ocurrió que me dije: “Bueno, necesito otra cosa, otro tipo de lenguaje, de pintura…”, y empecé a pintar cuadros geométricos, comenzaba con una simbología, con elementos que aparecían allí sueltos pero que en sí no eran determinantes. Eran formas que me atraían y las iba poniendo, así comenzó todo.

BARBARA:¿QUÉ PAPEL TIENE EL GRABADO ENTONCES?
Con el grabado seguí haciendo figuración durante unos años. En aquellos tiempos sentía una preocupación y es que mi pintura iba por un sitio y el grabado por otro, tenía una lucha interior que me indicaba que no podía ser. Debía de buscar un camino que unificase la pintura y grabado. Hubo un momento que la figura ya no me llenaba, los dibujos se quedaban muertos, no me decían nada, aquello no tenía sentido. Y empecé a interesarme por pequeñas figuritas geométricas, que las iba agrupando y creando el espacio. Cientos, miles, llegó un período que era desbordante. Ha sido y a día de hoy continúa siendo el trabajo más personal que he realizado.
En estos momentos he conseguido lo que quería por entonces, que la pintura y el grabado fueran juntos, formando un todo, y no por separado.

BARBARA:LA RELACIÓN ENTRE MUSEO Y GALERÍAS ES UN PAPEL FUNDAMENTAL EN EL MUNDO DEL ARTE.
Deben de ser mundos complementarios. Si la parte pública (museo) está fallando por diferentes motivos, y lo fundamental son los recortes económicos, eso va arrastrar al resto, galerías, coleccionistas, artistas etc.
Hay que estar muy adentro para saber los entresijos en las relaciones de los diferentes grupos. Existen muchos intereses personales, y donde se cuece dinero, hay tiburones que sacan tajada.
Sin embargo hay algo fundamental y es que cada uno de los actores que intervienen debe saber hacer bien su cometido, tanto profesional como ético. Y esto no existe, salvo alguna excepción.
Además de la crisis económica, hay que tener en cuenta que el arte en este país no ha sido nunca un puntal de coleccionismo; políticamente no se le da empuje ni importancia, sólo en momentos de vacas gordas se ha impulsado la creación de museos, muchas veces desmesurados, absurdos y desatinados. No se ha tenido en cuenta a quién iba destinado, ni su mantenimiento, ni al contenido de obras etc. Todo gobierno autonómico quería tener su museo, porque le daba prestigio, y era muy moderno. Ahora la mayoría si no cierran están parados y haciendo exposiciones sin ningún interés y de nivel mediocre.
Luego el daño añadido con la subida del IVA al 21%, lo que está suponiendo el cierre de galerías y espacios de arte, no hay ventas y de esta manera no pueden seguir.
Y por último los artistas. El eslabón final de la cadena, desde siempre un colectivo que va por libre, cada uno vende lo que puede sin ninguna ayuda de nadie y buscándose la vida casi siempre, amparada por otra profesión que le da el dinero para subsistir. Mucho se debería cambiar para que tuviera otro rumbo y las cosas tuvieran la importancia que se merecen.

BARBARA:¿QUÉ OPINAS DE CÚANDO ESTABA CARMEN ALBORCH , DIRECTORA DEL IVAM?
Ella fue la segunda directora, y como en todos los comienzos de un proyecto, con ilusión por hacer del IVAM la pinacoteca más importante del panorama artístico español. Hizo que tuviera un prestigio nacional e internacional, en la difusión de la obra permanente de Julio González y forjó continuidad en la creación de la colección del Museo. Además se hizo hincapié en tener una colección de fotografía importante, que en aquellos años aún no existía en ningún museo, ni se había desarrollado como iba a ocurrir en los siguientes.
Todo hay que decirlo, estaba todo por realizar y el trabajo aunque sería duro y complejo, también sería muy apasionante y gratificante.
Ella le dio una aureola de modernidad que fue referencia nacional y años de esplendor que alcanzaron el prestigio internacional que ahora tiene. Una prueba de ello es que después sería nombrada directora del Museo de Arte Reina Sofía, en Madrid.

BARBARA:EL IVAM Y EL CENTRO DEL CARMEN NACEN PARA EL ARTE CONTEMPORÁNEO, EL MUVIM ESTÁ ENFOCADO EN OTROS ASPECTOS …
Hace años El Centro del Carmen albergaba la escuela de Bellas Artes de San Carlos. Al comienzo de la democracia hubo cambios en todas las instituciones y la escuela de Bellas Artes pasó a la Universidad Politécnica. Durante años el Centro permaneció cerrado y en un momento dado se rehabilitó y pasó a formar parte del IVAM.
Un lugar carismático y bellísimo donde los haya; reúne unos espacios muy amplios en los cuales se hicieron exposiciones de mucha envergadura, con instalaciones y esculturas de grandes dimensiones y formatos…
Volvió a cerrarse otros tantos años, no sé ¿Por qué?. Y de nuevo rehabilitaciones de otros espacios que se fueron adhiriendo al conjunto que en estos momentos permanece abierto, haciéndose exposiciones e incluso en el período de verano, conciertos…
Toda esta inercia, ahora cierro, ahora abro, uso para esto, ahora uso para esto otro. No llegas verdaderamente a saber ¿Por qué? Pero obedece a mecanismos de tipo político.
En el caso del MUVIM el problema, desde mi punto de vista, es el uso para que fue construido (De la IIlustración) y la realidad en que se ha quedado; un museo multidisciplinar que no ha tenido mucha aceptación, bien por la propia conformación del edificio o por la falta de contenidos atractivos y la difusión que no tiene.
Por supuesto, al igual que el resto de los museos valencianos, dependientes de direcciones y puestos de confianza del partido político que toque.
Las Instituciones culturales deben tener un ámbito independiente en cualquier terreno político. Los puestos de dirección tienen que primarse por aspectos profesionales y de prestigio, estar avalados por mecanismos de oposición y comités que sepan valorar el personal más cualificado para la función que van a realizar.
Todo ello contribuirá a dar resultados similares a cualquier centro con reputación y respuestas al ciudadano, de en qué se gastan las partidas del presupuesto.

BARBARA:HAY GENTE QUE SE QUEDA FUERA DEL MERCADO DEL ARTE O DE LAS INSTITUCIONES.
¿POR QUÉ NO SE RECONOCE EL TRABAJO DE LOS ARTISTAS?
Esta pregunta es para estar hablando horas. Hay puntos que no se pueden explicar con una sola respuesta, porque implica muchos extractos, personas, grupos sociales y eso involucra a un debate amplio.

Desde el año 2007 estamos inmersos en la crisis más grande que he conocido. Una situación que ha destruido la clase social media convirtiéndola en una clase social pobre. Hoy después de cinco años todo está convulso, con una tasa en desempleo que ronda los cinco millones de personas, irregularidades en los trabajos que generan malestar y tensión en todos los ámbitos sociales: económicos, sanitarios y culturales.
Durante años en este país han entrado cantidades enormes de dinero para la ayuda en su desarrollo y vivir al nivel del resto de países de la Unión Europea. Todo esto ha contribuido a pensar que éramos un país con una economía fuerte y poderosa. Parecía que todo el mundo disponía de dinero para gastar sin ningún reparo y ese ídolo de barro se cayó. Ahora estamos padeciendo esa triste realidad y en general esa es la situación.
Si todo eso lo extrapolamos a la parte artística, la dificultad se acrecienta. Antes ya existía el problema, porque no nos engañemos, ya lo dije antes: “En este país al mercado del Arte no se le ha ayudado lo suficiente para crear un colectivo de coleccionistas”. Esto es Cultura y ese aforo son minúsculos. La gente ha gastado en pisos, coches, ropa, viajes, restaurantes etc., pero… ¿Para comprar Arte?, una minoría. Además la palabra acompañada de la frase hecha: ¡Invertir en Arte es un negocio!… vamos a ver, el Arte no tiene la finalidad de hacerse ni comprarse para un negocio. Habrá artistas que puedan vivir de su arte, de lo que hacen, pero para la mayoría no me creo que haya vivido del Arte. Porque no existe una demanda para comprar Arte, no hay cultura para el Arte, esto no es de masas, eso es lo que hay que entender. Y el que piense lo contrario se está engañando.
La mayoría de los artistas antes o después hemos tenido que vivir de trabajos suplementarios.
Te estoy hablando de manera general. ¡Claro! que se han apoyado proyectos y artistas, se han dado dotaciones de dinero para ésta u otra exposición, pero esto es puntual. No se puede pretender que todo un colectivo viva del trabajo que hace, pero sí apoyar con medios para acceder a posiciones importantes en el mercado nacional e internacional.
La realidad es que esto es una selva, donde hay mucha gente involucrada con diferentes criterios e intereses, cada uno va por libre hace lo que sabe y encuentra lo que puede.

BARBARA:PASAMO A TU TRABAJO.
Durante nuestra conversación recuerdo que te hablé del planteamiento que en un momento determinado hago de mi trabajo. Hubo un cambio en las formas y en los conceptos de pintar.
Comencé desechando poco a poco lo que conocía, e interesándome por una idea a desarrollar y que el resultado fuese consecuencia de un todo. Un cuadro no debía ser independiente, tenía que estar precedido por uno y ser enlace y continuidad de otro, otro y otro. Así fue como empecé con las series.
Toda mi obra se caracteriza por ese principio. Esta forma de trabajar me permite desarrollar una obra muy extensa y diversa, y a la vez estar unificada.
La idea comienza y va desarrollándose con elementos, formas y colores que voy tanteando, quitando o poniendo. Todo es producto de la reflexión que se plasma en dibujos, notas etc. Trabajo, trabajo y más trabajo, esa es la ley.
Además hay que entender que la pintura está pegada a quien la hace, y por tanto va cambiando en la medida que uno sigue la vida. Hubo momentos que hice cuadros matéricos, con colores acrílicos, luminosos, ricos en matices y cargados de un componente lírico. Siempre buscando, con curiosidad, empleando técnicas que dieran soluciones diferentes a lo establecido. Toda esa “cocina”, ha estado sometida al tipo de actividad que hacía y nunca he descartado ningún material, que en un momento u otro, puede ser utilizado para crear una obra.
En cuanto al grabado, también ha tenido cambios, aunque menos; pero la misma forma de trabajo: una idea a desarrollar, sin saber cuando finalizará. De hecho aún sigo con una serie desde el año 1997, comenzó hace dieciséis años con esta técnica y hace tres que he encontrado el medio para llevarla a la pintura.
Esta última serie, podría calificarla de sobria, de pocos medios, monocolor, sin estridencias y abierta a nuevos espacios, de ejecución directa y sencilla. Una caligrafía, cargada de estructuras geométricas que abren un abanico de semejanzas con la arquitectura que nos rodea. En ese entorno de mínimos, se despliega un enjambre visual de semejanzas, en las que el espectador puede reconocerse con el hábitat que nos rodea.
Hoy puedo decir, que la ilusión que mantengo por hacer mi trabajo, es la riqueza de mi vida.

BARBARA:LA IMPORTANCIA DEL COLOR EN TU OBRAS.
Mi trabajo nunca ha sido contar nada. Hay personas que cuando hacen una obra le dan un carácter narrativo, yo no. Nunca he tratado de contar de manera descriptiva lo que está ocurriendo en el cuadro. Cada persona ve un cuadro, y dependiendo de lo que está viendo, puede crearse una razón de ese cuadro. En mi caso ni me lo planteo. El trabajo parte de una idea, de un concepto y a ese valor intento sacarle toda la sangre que puedo. El color aunque pueda parecer lo contrario es un aditivo al todo. Lo que sí intento es hacer un análisis de los colores para que formen armonía, que exista un equilibrio entre ellos, y que sus efectos sean resultado del estado anímico en que me encuentre. Yo pinto con sensaciones y con los poros de la piel.
Soy una persona positiva y los colores me han encantado siempre, son mágicos y llenos de respuestas.
Ahora, curiosamente, me encuentro en un período monocromático.
Muchas veces aparecen contradicciones, y te dije también en su momento, que me interesaban mucho más las preguntas sobre la pintura que las respuestas que se daban. A medida que pasan los años, te das cuenta que en pintura sabes menos, tendrás más experiencia, pero se abren espacios que no veías y no eras consciente que estaban ahí.
Los cuadros tienen un sentido emocional, no narrativo. Evidentemente en el momento que pones un solo trazo con un color, ya estás diciendo cosas, pero el lenguaje no es contar un hecho formal, sino algo que sale de las entrañas, y en la que depende la formación y sensibilidad del receptor para que le llegue esa obra.
Todo son preguntas, cada vez más y más. No se nada del cuadro que voy a pintar, lo que va surgir, ni lo que va a nacer de una tela en blanco. Pero hay un momento en que aparecen aspectos y solución en ese cuadro y comienza su realización. Lo grandioso del Arte es tener ilusión para seguir trabajando, indagando, buscando siempre, no sea que acabemos pintando siempre la misma pintura.
Es un mundo complejo, un desierto dónde debes encontrar un camino pero que existen otros; encontrar esa vía es la identidad que va a tener el trabajo que realizo, en mí caso, la naturaleza es la ruta a continuar.
Recuerdo una reflexión del catálogo en la exposición que hice en Lametro: “La naturaleza, es la fuente de dónde emana toda la información de formas, espacios y colores, trasformándose en un mundo interior en el que las emociones son las claves de mi pintura. Una pintura que debe ser vista a través de técnicas y perspectivas con una significación espiritual. El espectador debe olvidarse de una realidad y adentrarse en un mundo de recuerdos y sueños, retrocediendo al origen.

La mirada de la naturaleza contemplada con el conocimiento visual se ha transformado en un espacio que era invisible a los ojos y que mediante las tecnologías actuales podemos descubrir. Mundos que eran desconocidos y que están ahí”.

Barbara Bacconi,
Abril 2013
 

[thumbnails pageid=»541″ width=»206″ height=»137″]

Monique Bastiaans,
http://www.moniquebastiaans.com/

BARBARA: QUÉ TE HA EMPUJADO A VENIR AQUÍ A ESPAÑA?
Creo que tengo algo dentro, de mis antepasados, un hermano mío vive en Zaragoza y pensamos que hay algo que nos une con la cultura de España. He venido cuando era niña, luego volví cuando era artista buscando un sitio para trabajar en la naturaleza. Una vez aquí he llorado porque sentí que pertenezco aquí, son mucha más las cosas que me identifican con este país que simplemente el buen clima. Yo misma no sé muy bien porque pero el hecho es que me acoplo mucho más a las costumbres y la cultura de aquí que a las de Holanda o de Bélgica. Uno se siente a gusto en un sitio no necesariamente porque haya nacido allí, te puedes sentir a gusto en “tu” sitio. No he venido aquí por un amor o por otras razones…simplemente porque siento que es mi lugar. Después de 25 años sigo pensando que, en temas de naturaleza y paisajes, España es una caja de tesoros que no deja de sorprenderte nunca. Aquí, detrás de donde vivo solo hay monte, solo hay naturaleza, delante está la civilización y la ciudad. Este lugar en concreto permite dejarme influenciar tanto por la cultura como por la Natura. Para mi es el lugar ideal para crear.

BARBARA:HABLAME DE TU RECORRIDO ARTISTICO, ¿DONDE NACIERON ESTOS TRABAJOS?
Hay un episodio con trabajos muy diferentes a lo que hago ahora. Cuando estudié Bellas Artes en Holanda aprendí hacer esculturas de manera impresionista. Mira detrás…allí ves un autorretrato en bronce, pues en aquel tiempo, en mis primeros años como artista, trabajaba de esta manera, con bronce y aluminio. Mis obras eran más bien impresionistas. Luego, una vez aquí en España, las piezas empezaron a hacerse más grandes, empecé a hacer instalaciones e intervenciones en la naturaleza. Lo curioso fue que un día, mientras estaba realizando unas de las obras para la exposición Plaisir de Fleurir, de repente me vino una imagen a la cabeza: yo, siendo una niña de 10 años que se había encontrado en el garaje dos escobas y unos rollos de cuerda. Empecé a hacer “punto” con las escobas, enorme, a lo bestia, así que todo esto de amplificar las cosas, lo tenía dentro de mí desde bien pequeña. Que luego en Bellas Artes me enseñaron a hacer esculturas de manera más bien clásica, con modelos, arcilla y moldes, me alegra mucho porque me ha servido para tener una base sólida. Claro que no tiene nada que ver con la obra que hago hoy en día pero teniendo esta base, sé cuando una pieza está en equilibrio o por ejemplo si las proporciones están bien, o si todas las caras de la obra son interesantes. Todo esto lo he aprendido en lo clásico con lo cual es una base muy buena y desde allí te desarrollas en la dirección que quieras.

Si, si, con las escobas hice una pieza al final, Carpe diem, una pieza de unos dos metros de altura hecha de punto con cuerda gorda y endurecida después.
Luego hay otra cosa: en Holanda mis esculturas impresionistas se vendían muy bien, de tal manera que yo misma sentí que no era posible que a todo el mundo le gustara mi obra. Me pareció demasiado fácil y que eso no era bueno porque todavía no tenía mi camino artístico encontrado. Empecé a abstraer las formas y buscar caminos nuevos. Me agobiaba el proceso de fundir en bronce, mis ideas se desarrollaban muchísimo más de prisa y no aguantaba ese proceso tan lento. Para poder evolucionar a mi ritmo estuve unos años pintando y era como para deshacerme de un estado antes de llegar al siguiente, como las crisálidas. Pasar de hacer bronces impresionistas un día, a hacer instalaciones en la naturaleza con un lenguaje totalmente diferente el día siguiente, me hubiera sido imposible. El cambiar de país también ha contribuido mucho a soltar mi antigua manera de trabajar. Así que mi evolución ha sido muy gradual. Algo muy curioso fue que los últimos dos años en Holanda estuve solo pintando y haciendo esculturas de pájaros volando, sin saber todavía que iba a emigrar. Una vez aquí en España y viviendo en la naturaleza, he tenido una época de producir esculturas con materiales encontrados. Trabajaba mucho con madera, pero al darme cuenta que calificaban esa obra de ‘tribal y primitiva’ otra vez me disgusté porque no pretendía hacer eso, ni soy de ninguna tribu. Fue otro escalón necesario para llegar al lenguaje que sigo utilizando hoy en día. Más adelante empezaron las primeras instalaciones, las primeras obras en la naturaleza y poco a poco esto se ha ido consolidando. Creo que llevo muchos años en la misma línea con unos temas que se repiten pero quizás ahora los abarco de otra manera.

BARBARA:LA NATURALEZA VUELVE SIEMPRE. ¿QUE IMPORTANCIA TIENE EN TU VIDA ARTISTICA?
Hay una expresión del latín que es mi eslogan personal, natura artis magistra, la natura es la maestra de las artes, estoy convencida que la Naturaleza es la que más nos puede enseñar sobre muchos aspectos de la vida. Hice una intervención, Adeu Tristesa, te daré un catalogo; en unos campos de naranjos los arboles se habían muertos de la enfermedad, la tristeza. Habían un montón de arboles, quité todas las ramas pequeñas hasta reducirlos a un tronco con sus ramas principales y cuando empecé a tensar y grapar las telas alrededor de las ramas es cuando realmente se revelaba la forma básica de cada naranjo. Me emocionó descubrir que cada árbol tenía su forma única, según la dirección y posición de sus ramas. ¡270 sorpresas! Además me di cuenta que utilizando toda mi creatividad no hubiera sido capaz de diseñar tanta diversidad de formas, ni hubiera llegado a unas formas tan extravagantes. La naturaleza tiene una infinidad de ejemplos, de combinaciones, de soluciones, más que cualquier artista nunca podía llegar a encontrar, por eso es mi inagotable fuente de inspiración. El vivir en la naturaleza me proporciona un estudio al aire libre sin límites, tengo espacio para hacer pruebas, para ver como las piezas reaccionan a los elementos, etcétera. Supongo que no haría ‘landart’ si viviera en un piso en alguna ciudad grande.

BARBARA:¿QUE REPRESENTAN ESTAS FIGURAS TAN GIGANTES, TIENEN UN SIGNIFOCADO CONCEPTUAL O SON MÁS DE LA FANTASIA?
Soy una persona a la que le gusta jugar creando mis obras, inventando los materiales y combinando lo que parece imposible, procuro estar siempre abierta a todas las casualidades que ocurren. Por otro lado me interesa mucho la filosofía, la mística y lo espiritual, el entender cómo funcionan las cosas. Estoy tan llena de lo que descubro que quiero transmitirlo en mi obra. Mi tono es optimista, reconciliador, combinando lo lúdico y lo reflexivo. Observo mucho los detalles en la naturaleza y para poder transmitir la grandeza de lo pequeño recurro a unos formatos desmesurados con la intención de más o menos obligar al espectador a percibir lo que normalmente va pisando o ignora. Formas orgánicas que recuerdan a flores vuelven continuamente en mi obra. Las flores son elementos divinos, su belleza y su aroma son eternas, sólo es efímera su manifestación en una forma material. Mi obra Todos los caminos llevan aroma que toma como referencia la floración del musgo, genera una llamada de atención sobre lo insignificante, lo que nos pasa inadvertido y a la vez quiere recordar la necesidad de alegrar el día a día a partir de los estímulos de lo sencillo. Lo que importa es disfrutar del camino. No importa si llegas a Roma.

BARBARA:EL AMBIENTE EN QUE EXPONES ES DETERMINANTE, LA OBRA PARTENECE A EL AMBIENTE. ¿COMO FUNCIONA EN TU MANERA DE TRABAJAR?
Siempre antes de crear una obra para un espacio determinado, me dejo guiar por el ambiente/ el alma/ el genio del lugar, y una vez sintonizada con él, emergen las ideas.
El ambiente y las obras se influyen mutuamente, eso es de la mayor importancia para mí. Sin embargo en mi última exposición, LAS IDEALES, se rompieron todas mis teorías sobre este tema porque la exposición fue ideada para otra espacio, Las Cigarreras en Alicante. Cuando terminó la exposición, me propusieron traerla a la Gallera, aquí en Valencia. Mi primera reacción fue “No, imposible…” y luego pensé “¿por qué imposible?”. Lo probamos y al final ha quedado mejor que en Alicante, con lo cual fue la excepción que confirma la regla. Normalmente suelo ‘escuchar’ lo que un lugar me cuenta, los espacios pueden ser interiores o bien algún lugar en la naturaleza. A veces es la historia de aquel lugar que me proporciona ideas, muchas veces el aspecto de la sala o la geografía del paisaje. Antes de empezar a pensar lo que voy a hacer, siempre quiero ver el espacio, quiero estar allí sola y entonces me habla, me cuenta, me da sugerencias, es como un dialogo, el espacio me cuenta y yo respondo.

BARBARA:LA OBRA DE ARTE VIVE EN VIRTUD DEL ESPACIO QUE SE CONVIERTE EN UNA COSA IMPORTANTE CUANTO LA OBRA MISMA.
¡Claro! Muchas veces una instalación consiste en varias piezas y con eso el espacio que se genera entra ellas llega a formar parte de la obra. Otra cosa muy importante es que los materiales presentes en el lugar donde ubicas la obra dialoguen con los materiales de la obra que introduces, con lo cual es fundamental elegir el entorno ideal para la obra (o crear la obra ideal para el entorno). En las intervenciones en la naturaleza nunca puedes decir dónde termina la obra porque todo el paisaje alrededor está involucrado. Las obras que hago en la naturaleza llegan a formar parte de ella, se encuentran en su hábitat natural con lo cual el lugar potencia la obra y viceversa, es una mutua relación. Como homenaje al propio lugar, introduzco elementos lúdicos en paisajes cotidianos, creando una relación tan intensa que los mimetiza.

BARBARA:TRABAJO Y AMBIENTE FORMAN LA OBRA…
Al tratarse de un espacio creado, intervenido, los puntos de vista se multiplican ya que uno mismo acaba formando parte de la propia obra, pasea literalmente por ella, no la observa pasivamente, la vive, la percibe, la siente. Por ejemplo en la exposición Plaisir de Fleurir en la Sala Parpalló, utilicé todos los sentidos: el olfato, el sonido, la vista y el tacto (cada obra tenía su diferente textura). Eso llega a involucrar y envolver más al espectador. El propio espacio expositivo se desarrolla como objeto en sí mismo, y más teniendo en cuenta que se trata de una obra creada por y para ese mismo espacio, lo escultórico y lo expositivo, el objeto y el espacio, se funden irremediablemente. Y aunque el espacio a primera vista pueda parecer simplemente ocupado por la individualidad de cada uno de los objetos, estos pierden sentido fuera del conjunto y del ambiente creado.

BARBARA:¿COMO SE ORGANIZA UNA EXPOSICIÓN AL AIRE LIBRE?
Normalmente lo organiza alguna entidad y la publicidad la hace esta misma entidad, luego, al ser una obra en un espacio público, se corre la voz con más rapidez con lo cual la obra misma se hace propaganda.
Por ejemplo mi obra Medusea estaba ubicada en la playa de la Malvarosa en Valencia. Había muchísima gente paseando por allí y se encontraban la obra por sorpresa. Uno de los efectos que me más me satisfacen es que el paseante, que no se lo espera, reacciona con un:“ …..pero , ¿qué es esto?” Acuérdate de cuando éramos niños, el asombro que sentíamos al ver una cosa por primera vez, pues eso es lo que me gusta provocar.

Barbara Bacconi,
Marzo 2013

[thumbnails pageid=»485″ width=»206″ height=»137″]

María Jose Pérez Vicente,
http://perez-vicente.blogspot.com.es/

BARBARA: ¿CÓMO HA NACIDO LA ARTISTA MARÍA JOSE PÉREZ VICENTE? , ¿DÓNDE COMENZASTE TU ACTIVIDAD ARTÍSTICA?
Nací en Teruel y por motivos de trabajo de mis padres, vine a vivir a Valencia cuando tenía cinco años. Estudié Bellas Artes porque me gustaba, creo que es una carrera que hay que sentirla. Acabé la especialidad de pintura en 1991 y seguí con la de grabado hasta 1994. A partir de ahí fue cuando empezó la verdadera carrera porque en la facultad va todo muy pautado pero, una vez que sales de ella, has de ir poco a poco tejiendo tu propio camino, y para ello empecé enviando cuadros a concursos de pintura y grabado, ya que siempre compaginé ambas disciplinas en mi intento de dedicarme exclusivamente al Arte. Una carrera de fondo, un trabajo silencioso que pasa desapercibido y que desde la experiencia de estos más de veinte años, requiere de una dedicación continua en la que la mayor, y casi única recompensa, es la personal.

BARBARA: ¿DÓNDE EMPIEZAN TUS INVESTIGACIONES?
Hice Bellas Artes al mismo tiempo que trabajaba. Nunca he intentado dedicarme a la enseñanza y mi apuesta consistió en dedicarme exclusivamente a la pintura, de hecho, de todos mis compañeros de la facultad, no hay ninguno (a excepción de José Vte. Guerrero) que esté ahora pintando. Prepararon oposiciones o buscaron salidas profesionales más seguras, como el diseño o la fotografía. Apostar por dedicarse al “Arte” es muy complicado porque, de una forma u otra has de tener económicamente cubiertas las espaldas y yo tenía un trabajo que me permitía hacerlo. Así sigo.
Dos meses antes de acabar pintura en la facultad encontramos una casa en Masanasa que se ajustaba a nuestras posibilidades y con pocos medios pero con mucha ilusión, lo convertimos en nuestro pequeño espacio para seguir o mejor dicho, empezar a trabajar de forma que en ningún momento perdimos la dinámica que llevábamos en la facultad. Allí hemos estado dieciséis años, allí comenzaron nuestras investigaciones, nuestros proyectos y digo nuestros, porque de ésto no puedo hablar en singular, porque ha sido muy importante compartir ese espacio con José, y silencios e ilusiones, euforias y bajones….

BARBARA: ¿USAS VARIAS TECNICAS PARA CREAR DIFERENTES LENGUAJES?
Siempre trabajo por series y cada una de ellas tiene unas características en concreto; colores, lenguajes, símbolos, motivos…ésta, la que viste en la galería, se titula “Taller de costura” y en ella llevo 4 ó 5 años.
A lo largo de estos ya más de 20 años he desarrollado tres series: “Balanzas”, “Redes” y “Taller de costura”. El salto de una a la siguiente ha sido una ruptura total de color, de formas, de materiales, de soportes, de texturas, de simbología… de todo, pero nunca me importó; he tenido la sensación de que había llegado a su fin y la necesidad de que tenía que encontrar nuevos lenguajes, otras formas para expresarme, de sentir. Creo que la pintura ha de aportarme la libertad de crear en todo momento y en toda su dimensión. Veo la trayectoria de otros artistas muy lineal pero, en mi caso, si alguien ve un cuadro de hace 10 ó 15 años, puede perfectamente no asociarlo a mí, pero no me importa. Siempre ha formado parte de lo que he necesitado sentir en cada momento, he intentado encontrar un lenguaje personal, que tuviera rigor ya fuera utilizando color o sin él, pero, sobretodo un lenguaje en el que me sintiera a gusto y me hiciera sentir libre.
Sensaciones ¿Hasta cuándo? No lo sé, el tiempo lo dirá. De momento estoy disfrutando como nadie y no siento el cambio, no lo necesito.

BARBARA: MANOS, CABEZAS, LETRAS, NÚMEROS, GOTAS DE AGUA… UN LENGUAJE SIMBÓLICO, UNA COMPOSICIÓN FORMAL MUY ESTUDIADA EN LA QUE NADA HAY AL AZAR PERO A LA VEZ, NADA ES FRÍO.
Me hace gracia el tema de la composición estudiada porque es una percepción que a ti te llega pero no es una cosa que yo mida. ¿Sabes qué pasa con la composición? En la serie anterior trabajé mucho la geometría y creo que ésto es como el pozo de la experiencia. Sin darte casi ni cuenta, como si de un juego se tratara, compones, equilibras…. ¿Sabes cuál es mi forma de trabajar? Empiezo uniendo pequeños trozos de diferentes telas, jugando con los colores de las mismas o con las texturas, de tal forma, que voy configurando la superficie total del cuadro. Corto y recorto, pinto, coso, dibujo…
Todo este trabajo partió del grabado que nunca utilicé como medio de reproducción de una obra sino como obra única. Mis grabados son collages sobre papel y mis pinturas son collages sobre tela.
En cuanto a tu pregunta acerca de la simbología te diría que siempre he buscado formas, elementos o motivos muy sencillos, representados de forma plana, sin volúmenes y con una identificación más o menos figurativa. Cuando la Expo de Zaragoza me invitaron a participar en el Pabellón de Zaragoza y, como estaba dedicada al agua, empezaron a aparecer las gotas en mis cuadros. La mano surge como elemento definitorio por todo lo que simboliza dentro de todo este entramado, en paralelo a la palabra “MADE”: hecho a mano, manufactura, la mano es la que nos permite hacer….el hilo conductor de la serie.
Creo tramas, redes, mallas que van formando planos diferentes en las composiciones, utilizando para ello flechas, números, círculos, etc. Para mí la pintura consiste en tener sensaciones y ante ellas actúo. No me gustan los bocetos ni las ideas preconcebidas. Mi pintura es acción-reacción y ésto me hace estar alerta y trabajar desde el principio al final del cuadro en un estado continuo de pulsión.

BARBARA: CADA PERSONA SE SIENTE CAPTURADA POR UN ELEMENTO DE TUS CUADROS…
Sí claro, hay a quien le llama la atención el color o los números, los cosidos, la minuciosidad, la sensibilidad… o la fuerza de los cuadros grandes. Hay tantas percepciones como miradas y por tanto son infinitas.

BARBARA: ¿TE GUSTA MÁS TRABAJAR EN UN DIMENSIÓN GRANDE O EN UNA MÁS PEQUEÑA?
Me siento igual de a gusto y depende del momento, del estado de ánimo. Una tela grande es como una pulsión, una lucha, un reto mientras que una pequeña… es otra cosa.

BARBARA: LLAMA LA ATENCIÓN EL “HECHO A MANO”, AUNQUE NO ERES UNA COSTURERA…, TODAS LAS OBRAS ESTÁN MUY CUIDADAS, TRABAJAS COMO UNA CARTUJA …
Para nada soy una costurera, lo que soy es muy atrevida y desde siempre me ha gustado investigar en las técnicas; ésto es lo mismo, una parte más del laboratorio, en mi búsqueda de encontrar un lenguaje personal.
Mi trabajo es el reflejo de mi propia personalidad y si soy minuciosa, ordenada, intuitiva… mi obra también lo es.

BARBARA: “MADE”, UNA PALABRA QUE APARECE SIEMPRE EN ESTA EXPOSICIÓN.
Cuando me hicieron la propuesta en la Galería Cuatro hacía escasamente un año de la exposición en la Sala La Metro. En aquella ocasión, y dadas las dimensiones del espacio, requería de obras grandes. En la Galería ocurría todo lo contrario y me planteé obra de reducido tamaño en la que la palabra MADE fuera el referente o la excusa para trabajar cada cuadro.
En mis telas estampadas dibujo formas de patrones imaginarios, seguramente imposibles, que utilizo a modo de textura. Existe un hilo conductor entre estas formas y la palabra MADE ya que en las etiquetas de las prendas se puede leer “made in…”, si traducimos tenemos: “hecho”, “está hecho”, “hecho en” … y todas estas acepciones implican una acción , que no es ni más ni menos, que lo que yo hago frente a mis telas.

BARBARA: EL “HECHO A MANO” ESTÁ MUY CERCA A LA ARTESANIA Y, A LA VEZ, HAY UNA CONTINUA INVESTIGACIÓN DEL ¿“CÓMO PUEDO MANIFESTAR TODO ESTO”?
La palabra artesanía parece tener connotaciones peyorativas pero… ¿Crees que es más artesanal mi trabajo cuando utilizo aguja e hilo que cuando cojo pintura y un pincel? Yo creo que es lo mismo porque tanto una como otra son diferentes formas de expresión dentro del proceso creativo y de investigación que yo encamino hacia la búsqueda de un lenguaje personal.

BARBARA: LAS LINEAS QUE ESTÁN DENTRO DE LAS CABEZAS ME RECUERDAN UN MAPA, UNA CARTOGRAFIA …
Lo mejor de este tipo de trabajo es el poder de la sugerencia. Como te decía antes, estas grafías o líneas son formas imaginarias de piezas de patrones que al ser recortadas pierden la visión de lo que eran y depende del espectador que las ve y las interpreta; para ti son cartografías, itinerarios, caminos… ¿A que es precioso?
Respecto a lo racional, creo que hay mucho. En esencia hay mucho porque desde el momento en que construyes, que es lo que yo hago en mis telas, con mayor o menor desinhibición, estás racionalizando el trabajo.

BARBARA: CUANDO LA GENTE TE PREGUNTA ¿QUÉ SIGNIFICA ESTO? O ¿POR QUÉ ESTA? ¿COMO REACCIONAS A TODO ESTO?
Depende de cómo me lo pregunten, evidentemente, porque hay gente que sólo con la expresión, te está diciendo: “No entiendo nada de lo que has querido decir”, ¿Sabes? En ese momento contesto lo que primero me viene a la cabeza porque creo que da lo mismo lo que yo le cuente, que ni lo va a ver, ni lo va a entender. Y en otras ocasiones ves que la persona si se merece una explicación, no sé cómo decirte.

BARBARA: MARIA JOSE PEREZ VICENTE Y SU ENTORNO. ¿HAY ALGO QUE PUEDA HABER INFLUIDO EN TU MANERA DE HACER ARTE?
Evidentemente el aquí y ahora influyen. He tratado de abrirme un camino en el panorama artístico desde Valencia pero no solo en Valencia, sino exponiendo y participando en colectivas en todo el territorio nacional. Si hubiera vivido en Madrid o Nueva York tal vez… hubiera sido otra cosa, no se. Claro que influye donde vives, lo que se apoya a la cultura y las galerías….

BARBARA: CONCRETAMENTE ¿COMO TE HA INFLUIDO LA CIUDAD DE VALENCIA?
Valencia, culturalmente, es una ciudad muy pobre. Curiosamente ha tenido siempre fama de apostar por la cultura y los artistas pero, desde dentro, te das cuenta que esa es sólo la imagen que han querido vender. Creo que cuanto más grande es una ciudad, más posibilidades hay en ella porque se hacen más cosas.
Tal vez nos pasamos demasiado tiempo en el estudio y se nos olvida salir para que se nos vea, para que se nos tenga en cuenta. Tal vez haya que aprender a vender nuestro trabajo y a nosotros mismos.

BARBARA: SENSACIONES, EMOCIONES, JUEGO, INVESTIGACIONES, CONSTANTE BUSQUEDA DE UN LENGUAJE PERSONAL.
En mi trabajo necesito que haya lo mismo que busco para mí misma, en mi vida y todo ésto que enumeras me ha seguido a lo largo de toda mi carrera. Mi pintura soy yo, y yo soy mi pintura.
Voy a enseñarte catálogos anteriores para que entiendas mejor todo lo que te he contado. Mira, esta es la serie “Balanzas”, un trabajo muy sensible fruto de investigaciones en cuanto a los materiales, ya que utilizaba resina de poliéster, fibra de vidrio, tintas y papeles sobre diferentes soportes, y muy sugerente, en el que como ves, ya aparecían inscripciones, palabras y números.

BARBARA: ELEMENTOS QUE SE REPITEN ¿TIENEN UN SIGNIFICADO DIFERENTE EN CADA SERIE?
Efectivamente, si son palabras, cambia el significado pero, en esencia, es lo mismo. En esta serie “Redes” ¿Ves qué ruptura? Aquí la composición jugó un papel muy importante junto al color y la geometría. Eran cuadros muy analíticos, muy estructurados, nada que ver con “Balanzas”. Creo que en “Taller de costura” hay mucho de las dos.

Barbara Bacconi,
Abril 2013

[thumbnails pageid=»468″ width=»206″ height=»137″]

Anna Sanchis,
sanchisanna@ono.com
www.myspace.com/annasanchis_jocs
ESTUDIO: C/ Pintor Gisbert 5, bajo derecha – 46006 Valencia

BARBARA: TUS EXPERIENCIAS ACADÉMICAS.
Hice Bellas Artes (1985/86 a 1989/90) y estudié en varias academias de pintura y dibujo desde pequeña. Aprendí mucho haciendo dibujo del natural en el Círculo de Bellas Artes de Valencia. En 1991 asistí a un curso de 500 horas de diseño asistido por ordenador (AutoCAD) impartido por la Universidad Politécnica en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura.

BARBARA: HÁBLAME DE TUS OBRAS ¿DE DONDE VIENE TODO ESTO?
De niña me gustaban los juegos de construcciones, para mi eran una pasión y me pasaba horas jugando. Además de la hacer las casas me gustaba imaginar que entraba en ellas, las habitaba, las llenaba de muñequitos…Al único concurso que me he presentado en la vida se llamaba “El niño arquitecto”, lo gané a los 7 años. El premio era una caja de Lego. Y en ello sigo…
Cuando estaba acabando la carrera pintaba paisajes con pequeños edificios. Mi marido es arquitecto y recuerdo que me enseñaba libros y revistas en los que aparecían los dibujos de Aldo Rossi ( un arquitecto neoracionalista). Eran muy sencillos, infantiles y alegres. Empecé a incluir ese tipo de edificios en los paisajes al óleo.
Al mismo tiempo hacía dibujos y pinturas de multitudes y coreografías de masas: visiones cenitales de gente en los bares de Russafa, aglomeraciones nocturnas, gente celebrando la nit de Sant Joan con hogueras en la playa…Reuniones que en cualquier momento podían pasar de la fiesta al motín. Unía el paisaje, los edificios y la figura humana…. La arquitectura, siempre presente, fue pasando de motivo principal a fondo que rodeaba a las personas.
Hace 14 años, en 1999 llegué a este estudio. Coincidió con una época en la que estaba algo aburrida profesionalmente porque ya sabía cómo acabarían siendo los cuadros antes de empezarlos. Me recomendaban que siguiera con el estilo «masas» porque ya había empezado a hacer exposiciones en algunas galerías como La Nave 10 que estaba en la Calle de La Nave. Pero había perdido esa emoción de hacer algo nuevo y arriesgado que me sorprendiera, así es que retomé el asunto de los paisajes con arquitectura, en este campo me había quedado mucho por investigar. Fue un cambio radical ya que pasé de los cuadros de reuniones masivas nocturnas, oscuros y barrocos, a los paisajes blancos y desiertos. De las multitudes a la soledad, de la noche al día. Todo surgió de aquel lienzo blanco. En realidad estaba mal preparado y se había caído la pintura por el centro. Yo lo veía desde aquí lejos y pensé “ese agujero parece un lago!”, mira como las cosas salen a veces de una manera absurda, de un accidente o de un error! Claro que hay que estar allí al acecho para cazarlo y desarrollarlo…Para que el agujero tuviera la escala adecuada de un lago ( y no la de un charco por ejemplo) pinté algunas casitas alrededor. La luz natural entraba por esta clarabolla, justo arriba. Como el cuadro tenía algo de textura y la luz llegaba rasante, el volumen se marcaba mucho. Pensé entonces en aumentar ese volumen para exagerar las sombras proyectadas. Investigué, hice muchas pruebas para dar tridimensionalidad a los edificios y que parecieran vistos desde el cielo. Creé estos módulos inclinados porque desde lo alto se ven las fachadas y los tejados de la casas a la vez.

BARBARA: ¿QUE MATERIAL USABAS?
Empecé a dar volumen con arcilla, hacía los módulos de casitas con este material. Los pegaba sobre el paisaje y luego los pintaba de blanco por delante. Lo del color reflejado salió de este cuadro de la huerta de Valencia con grupitos de casas en relieve. Yo veía que, cuando estaba iluminado desde arriba, a una de las casitas le salía por detrás una luz, un reflejo rojizo que rebotaba en la parte trasera y coloreaba el edificio de detrás. Era el color del barro que se reflejaba porque por ahí no las había pintado de blanco. Pensé que podía pintar con otros colores la trasera de las casas. Así empezó lo de las luces coloreadas y reflejadas.
Más tarde trabajé con luz ultravioleta y pintura fluorescente e hice la serie de paisajes nocturnos. Por otra parte empecé a preguntarme cómo podía pegar los módulos directamente en una pared blanca, cambiándolos de sitio antes de obtener una composición definitiva. Se me ocurrió poner imanes a las casitas y chapar la pared de acero blanco. De ahí salió toda la historia de los cuadros móviles e interactivos. Cada uno puede distribuir las piezas imantadas a su gusto, jugar con ellas, cambiar el cuadro cuantas veces quiera, pasando de ser espectador a actor de la obra. Es una invitación a la participación y una forma de introducir el movimiento y el cambio continuos.

BARBARA: LOS EDIFICIOS POCO A POCO HAN TOMADO FORMA, UN VOLUMEN …
Claro, vas haciendo pruebas, investigando siempre, vas aprendiendo técnicas nuevas. Fíjate que al principio hacía las casitas con arcilla, una a una. Ahora hago el original con arcilla, luego hago los moldes de silicona y reproduzco las piezas con escayola cerámica. Así ahorro mucho tiempo que dedico a componer como si fueran piezas de mosaico. Las tengo todas guardadas y ordenadas por formas y tamaños …La de trabajo que me da poder seguir jugando al lego!

BARBARA: ¿POR QUE EL COLOR BLANCO?
Pues, más que nada porque el volumen está más definido con el blanco y negro. También porque la luz coloreada y reflejada es muy sutil y se ve mejor cuando rebota sobre una superficie blanca.

BARBARA: TODO CAMBIA DEPENDIENDO DE LA LUZ….
Si claro, incluso pueden estar sin luz artificial, basta con algo de luz natural que además hace cambiar el cuadro a lo largo del día. Tampoco tiene por qué iluminarse siempre desde arriba, se crean efectos distintos según de dónde provenga luz. A mí me gusta reforzarlo con la luz artificial rasante para sacar el máximo efecto, luego siempre se puede ir suavizando.

BARBARA: ¿COMO SE LLAMA ESTA OBRA?
Se llama ”Port” («Puerto»). Siempre que he visto circuitos eléctricos me han parecidos ciudades. Voy recogiéndolos de televisores, de ordenadores…Luego lo separo todo, lo organizo, lo guardo y lo utilizo como hago con los módulos de casas. Siempre que veía estos circuitos me quedaba mirándolos mucho rato, parece que los puedes recorrer. Me apetecía mucho pasar esta sensación a un cuadro, compartir esa experiencia de atravesar una ciudad laberíntica en miniatura…Pero no se trataba de pegar un circuito y ya está. Quería integrarlo y que quedase bien. También me permite introducir notas de color. Mira estas piezas, las resistencias, estos colores…..son tan bonitas! También hago colgantes con ellas.
Estas otras obras pertenecen a la serie de «Empremtes» o ¨Records» («Huellas» o «Recuerdos»). Cuando pinto los edificios o las personas con espray en la superficie gris del fondo queda una huella. Aprovecho que tengo que pintar las piezas (casas o figuras humanas) de blanco y las coloco pensando en la composición final. Las pinto, las voy quitando, le vuelvo a dar al espray. Cuando están secas las retiro todas y queda esto. Son las huellas de los edificios, de la naturaleza, de cultivos o de gente que ha ido desapareciendo y que vale la pena recordar.

BARBARA: ¿QUE REPRESENTA ESTA OBRA? (“Records urbans”)
Pueden ser muchas cosas: la niebla, lo que tiene la ciudad de misterioso. Representa todo lo que queda cuando quitas la arquitectura, todo lo que algunos urbanistas y algunos políticos pretenden en vano controlar, todo lo que no se deja especular ni encauzar ni limpiar ni higienizar… la vida, vamos. Las pequeñas historias de cada uno, los encuentros amorosos, los recorridos y las ocupaciones, los conflictos, las luchas, las fiestas, los desacatos…
Esta otra obra es “Records rurals”. Son huellas o recuerdos de la Huerta de Valencia. Todo lo que he hecho en cuanto a paisaje son representaciones de los alrededores de mi ciudad, de su huerta y de su litoral. Al principio representaba grandes extensiones de cultivo con edificios pequeños, paisajes blancos y espectrales como fantasmas de otra época. Luego empezó el boom de la construcción a lo bestia (que ya venía de lejos). Se empezaron a cargar la huerta, las playas, el paisaje. Todo por la locura ésa de especular y forrarse construyendo a lo ancho, a lo largo y a lo alto (¡con muy mal gusto por cierto!)
Mis paisajes han ido cambiando al mismo ritmo que cambiaba el paisaje representado. Los pequeños edificios se fueron convirtiendo en torres cada vez más altas. El cuadro «L´Horta s´aplana» del 2002 (no se puede traducir porque alude a alguien que no se cortaba en decir que se metió en política para forrarse) creo que fue el primero de la serie de denuncia.

BARBARA: ¿ESTOS CUADROS?
Esa es la época de las multitudes y de los bares. Lo que te comentaba, la época en la que dibujaba figuras y al fondo, por las ventanas, se veían los edificios. Si te fijas, en estos dibujos, las personas no tienen pertenencias (todo lo más una cerveza en la mano). Tampoco hay apenas referencias a alguna época concreta. Son pura relación. Tienen los ojos cerrados, están como adormilados, pero hay una tensión (no sólo sexual) de fondo. Algo que parece a punto de estallar. Esto es la noche de Russafa que vengo interpretando desde hace más de 20 años. Siempre me ha interesado lo que veo alrededor, por eso de ir de lo local a lo universal….
Estos otros dibujos con fondo negro también representan las calles de Russafa con sus bares, sus mercadillos. También aparece el parque de Manuel Granero que por cierto se libró de desaparecer gracias a la presión social del barrio y a la organización de la “Plataforma per Russafa”. También se consiguió el colegio público que por fin se está construyendo. Estos son locales que llevaban comerciantes y restauradores chinos, árabes. Ahora van quedando menos y es una pena porque revitalizaron el barrio cuando aquí se dejaba que Russafa se degradase para espantar a los abuelos de toda la vida y a los trabajadores. En fin, son las cosas de la gentrificación.
Otra serie que vengo haciendo desde hace muchos años es la de «niños imaginando». Me encanta esa capacidad de vivir como cierto todo lo que imaginan mientras juegan. Hago esfuerzos para no perderla del todo.

BARBARA: HAY UN DE CHIRICO!
Me encanta ese artista! También el Bosco me ha influido mucho.

BARBARA: ¿ESTOS HOMBRES?
El primero está saliendo de la pared, los otros van trepando. Aquí hay una pareja, uno de ellos ayuda al otro a subir. Éste sin embargo pisa la cabeza de su compañero para llegar más arriba…Son diferentes maneras de trepar en la vida. El de más arriba se mete otra vez en la pared.
Allí están los voladores, figuras desnudas que vuelan solas o en grupo (como los de esta lámpara).

BARBARA: ¿FORMA PARTE DE UNA COMPOSICIÓN?
Es una serie, los hago con moldes. Son 12 figuras escalando. Se cuelgan con un ganchito y se adaptan a cualquier pared ..hay gente que se lleva uno, tres, o todos….y los compone en su pared como quiere.
Hay una equivalencia entre las casas y las figuras humanas, supongo que para mí es lo mismo, son volúmenes y la relación entre ellos, la relación entre una persona y otra o entre grupos más o menos grandes de personas. Para que se produzca el efecto de luz coloreada tiene que haber más de uno. Se reflejan los unos en los otros.
Este mural de 2 m x 3 m de piezas móviles con imán sobre plancha de acero se titula «El Cabanyal», otra burrada que se pretende hacer en Valencia. El Cabanyal es un barrio marinero junto al Puerto. Hay un proyecto pendiente que consiste en prolongar la Avenida de Blasco Ibáñez para que llegue directamente al mar partiendo en dos el barrio. Quería destacar la trama horizontal paralela al mar. Está en plena degradación. Los vecinos, totalmente abandonados, son presionados para que abandonen su resistencia y la especulación campe otra vez a sus anchas.

BARBARA: ¿COMO TE RELACIONAS CON LO ARTISTICO AQUÍ EN VALENCIA?
He expuesto individualmente en galerías como «Nave 10», «Rosalía Sender», en el aula CAM la Llotgeta y he participado en más de 20 colectivas. He participado en las tres ediciones de Russafart, he hecho unas 17 exposiciones individuales en locales públicos (creo que un bar es un lugar perfecto y accesible para exponer). Tengo mucha obra expuesta en el estudio y la gente (aficionados, críticos, periodistas, estudiantes….) viene aquí a ver mi trabajo conociendo de paso todo el proceso de creación. La entrada es libre.

Barbara Bacconi,
Marzo 2013

[thumbnails pageid=»431″ width=»206″ height=»137″]

Antonio Barroso,
www.antoniobarroso.com

BARBARA :Hábleme de tu carrera académica, donde has estudiado y tu interés en las artes plásticas.
Mi formación académica evidentemente empieza desde que era niño, ya tenía inquietudes por el tema artístico; destacaba ya en la asignatura de dibujo y con los temas relacionados con el arte.
Más en serio me acuerdo que en 8° de EGB del Colegio Miguel de Cervantes de Xirivella, ya en el último curso, hice un trabajo artístico sobre cine, más bien sobre las portadas de las películas de Alfred Hitchcock, hice un trabajo interesante sobre él y me dieron una beca con la cual me fui al Festival de Cine Infantil y Juvenil de Gijón. Poco después me interesé por los concursos de pintura, y más o menos por el mismo año 1978, conseguí, con 15 años, el primer premio de pintura del Ayuntamiento de Xirivella. Por eso pienso que ya desde que era pequeño se veía una actitud muy destacada hacia lo que es el nivel artístico.
Desgraciadamente en aquella época, cuando era muy jovencito, falleció mi madre, entonces digamos que todos esos temas se tuvieron que quedar aparcados porque tuve que empezar a trabajar con mi padre e incluso a nivel de estudios eso hizo que abandonara un poco el tema, de hecho estuve un año sin estudiar y me dediqué a ayudar mi padre en su negocio de hostelería.

Luego yo sentía que tenía que hacer algo más y me animé a hacer el bachillerato, lo hacía incluso en horario nocturno para poder trabajar con mi padre por las mañanas y estudiar por las tardes. Bueno, creo que le ponía bastante empeño en obtener más conocimiento; la formación y la inquietud artística fue aumentando, de hecho me acuerdo que en las asignatura de música obtuve la matricula de honor como nota final, porque prácticamente, lo que hacíamos eran dibujos artísticos acompañados por los grande clásicos como Beethoven, Mozart, Vivaldi, etc….la inspiración que nos sugería la música clásica la dibujábamos como trabajo final. Ya entonces, creo que iba más encaminado y seguro por lo que era el tema artístico.
No pude acabar el bachiller porque justo en 2º curso me llamaron para el servicio militar, tuve que ir, entonces fue un parón importante en mis estudios. Cuando terminé el servicio militar me puse a trabajar porque las circunstancias familiares me impedían seguir estudiando. Pero mis ganas de seguir formándome y hacer cosas, hizo que también por mi cuenta me matriculara en Imagen y Sonido, un tema artístico que complementaba positivamente mis inquietudes y que era de más fácil acceso. No pude acceder a una carrera universitaria, como podía ser BBAA o Historia del Arte por la carencia del bachiller y el COU.

La situación económica y profesional no me dejaba seguir, hice dos años de Imagen y Sonido hasta el nivel de fotógrafo, obteniendo los conocimientos suficientes sobre fotografía, posteriormente me salió un trabajo en un estudio de fotografía y paralicé los estudios. Por lo tanto el bachiller y la Imagen y Sonido se quedaron a medias con asignaturas pendientes.
Como te comentaba, me puse a trabajar en el estudio de fotografía como fotógrafo. La situación familiar siempre me impedía seguir estudiando, por lo que nunca podía finalizar los estudios, el trabajo y la economía era algo que mandaba; después trabajé en el campo de servicios para el Cortes Inglés durante un año y medio.

En 1995 conocí a mi socio de entonces, un diseñador de interiores. Montamos un negocio que afortunadamente empezó a funcionar muy bien y comenzamos a ganar dinero. Justamente, esas asignaturas pendientes en el arte, que ya arrastraba desde hacía años, las retomaba poco a poco para dedicarles tiempo y sobre todo muchas ganas. Empecé a trabajar y desde allí nació un primer lanzamiento con una serie abstracta de acrílicos. Una proyección más profesional para mí accidentada carrera enfocada al mundo del arte.

BARBARA :¿ Como nació Antonio Barroso artista? ¿ Desde donde comenzaste tus actividades artísticas?
Creo que nació en un momento y a una edad, para algunos algo tardía, pero para otros con unas costumbres innatas y puras muy positivas para mi carrera artística.
Vi que era el momento y empecé a trabajar como diseñador grafico, logotipos, carteles, etc.. empecé un poco para mí y para mi negocio, a parte empecé hacer cuadros y a pintar, hasta que casualmente vino una galerista a mi negocio y vio mis trabajos, le interesaron y me propuso exponerlos en su galería. Esta galería llamada AKKA, ahora mismo ya no existe. Fue el primer espacio donde me dieron la oportunidad de hacer una exposición individual, creo que fue por el año 1999.
Fue exclusivamente una exposición de pintura y acrílicos sobre tabla, se titulaba “Investigación de contrastes”. Y con la gran suerte que el suplemento cultural de EL PAÍS, llamado “Babelia”, lo publicó. Para mí fue un hecho importantísimo, más que nada porque a nivel personal y profesional era la primera exposición que hacía.
Posteriormente para el “Babelia” publiqué tres caricaturas. Desde estos momentos mi actividad y proyección como artista empezó más en serio.

BARBARA :La importancia de haber nacido en Valencia y la influencia que ha tenido en tu arte.
Como te puede influenciar artísticamente tu ciudad, es sin duda, un argumento muy complejo porque creo que depende de muchos factores y de la educación que recibas desde pequeño. Yo me acuerdo que empecé a visitar galerías de arte. Mi socio de entonces tenía y tiene una gran inquietud artística que me activó y enriqueció enormemente visitando exposiciones en la ciudad de Valencia.

Antes era otro mundo: se veían galerías y exposiciones por todas partes, habían el triple de espacios expositivos de los que hay ahora y evidentemente era un momento muy bueno para los artistas con facilidad para introducirse en el mundo del arte, yo como me encontraba justamente en esa situación decidí involucrarme del todo. En aquel entonces me influenció el sabio consejo de una conocida galerista de aquí de Valencia, al principio me animó mucho y me dijo literalmente “Antonio, lo más importante que tienes que hacer ahora es moverte, participa en concursos y certámenes, porque sus jurados son los que mueven los hilos del arte en Valencia. Que te vean, hay que ser pesado y esa es una manera de darte poco a poco a conocer”. La verdad es que me lo tomé al pié de la letra y lo acepté como un buen consejo desde el primer momento, menos mal que económicamente me lo podía permitir y empecé a trabajar muchísimo con lo que mi curriculum engordó con un amplio itinerario de concursos importantes de la Comunidad Valenciana, con la gran ventaja y suerte de ganar algunos premios muy importantes como el premio de Manolo Valdés Universal de Altura en Castellón, el primer premio de la ciudad de Xativa, el premio Ribalta de Segorbe, etc…, hasta que llegó, y que siempre he considerado que me llegó demasiado pronto, el Accesit de Pintura de la Fundación Bancaixa en el 2005, justo cuando había empezado a experimentar una técnica mixta y nueva para mí, donde decidí arriesgar e investigar más en mi particular mundo del arte. Después de estos cinco años atrás en el que me había dedicado más a una abstracción pictórica sobre tabla, decidí arriesgar y evolucionar, me aburría un poco y necesitaba algo más, entonces empecé a experimentar con la fotografía y el metacrilato.

Este reconocimiento fue para mí investigación sobre la fusión de la pintura con la fotografía. Durante la rueda de prensa me acuerdo que Consuelo Ciscar me comentó que le gustaba muchísimo mi obra y que siguiera en esta línea porque la encontraba muy interesante, de hecho he seguido hasta la actualidad con esta línea con la cual me siento muy a gusto. Naturalmente no se trata de una línea tan comercial como la de antes, pero plásticamente es más interesante. Desde entonces he seguido con esta técnica de trabajo; han llegado algunos premios más y en estos momentos estoy sumergido con la fotografía.

Evidentemente sí que ha tenido importancia en mi vida mi ciudad; mis contactos con el arte han sido las galerías, los museos y los artistas valencianos. Al final es un mundo que vas conociendo y moviendo, es como una gran familia, luego cada uno es como es, no? Pero creo que Valencia tiene fama de ser una cuna de buenos artistas y creo que con mi experiencia actual, doy fe de que es verdad. Sin ninguna duda creo que en este aspecto artístico sobre Valencia, si que puede haber influido en mi vida personal como en mi vida de artista plástico.

BARBARA :Has expuesto mucho, tanto en la Comunidad Valenciana como fuera. Háblame de estas experiencias y también de la importancia de participar en las competiciones.
Había una galería en Madrid que se llamaba Proyecto Arte y que ahora sigue con el nombre de Arana Poveda. Este espacio se puso en contacto conmigo de mano de sus fundadores; unos meses antes de abrir la galería, se dedicaron a captar artistas por toda España para su próxima apertura como galería en Madrid . Ellos vinieron a Valencia y a mi estudio cuando lo tenía en Ruzafa, les gustó mucho mi obra, de hecho les encantó mi técnica; también decidí ayudarles en todo aquello que estuviese en mis manos. Con esta galería trabajé unos años e hice una colectiva y una individual, luego optaron por llevarme a Arte Lisboa. Este mismo año coincidió con mi primera serie de fotografías con la que me fui a Miami y estuve trabajando con la galería Hardcore de Miami, participando en una exposición que se llamaba “Fotógrafos españoles”. Este evento fue a través de la galería Ciclorama, una galería de fotografía de Valencia que hizo que pudiese exponer tanto en la galería Hardcore como en una de sus ferias de fotografía más importantes internacionalmente como es Photomiami.

Todo esto coincidió en el mismo año en que un jurado de un comité internacional me eligió para exponer en la Bienal internacional de arte contemporáneo de Florencia para representar a España. Me acuerdo que durante los meses de octubre, noviembre y diciembre de ese mismo año, expuse en Lisboa, Miami y Florencia. A veces las cosas te vienen tan de golpe que no las digieres bien, pero bueno….es como este año que también tengo unas cuantas exposiciones individuales.
La experiencia en Florencia fue muy positiva, era una feria muy grande, había muchísimos artistas con variedad de disciplinas. Fui acompañado por Pilar Algarra, la directora de la Fundación Inspirarte, una fundación que depende de la Consellería de Cultura y la Diputación de Valencia. Ella vino para promocionar mi trabajo y para apoyarme como becado y, por supuesto, para encontrar contactos y relaciones con la Bienal de Florencia para futuros artistas becados valencianos.

Creo que a raíz de mi intervención en esta Bienal, empecé a tener ofertas para exponer en Nueva York, Paris, Miami, etc…, entré en una red internacional donde me conocían y hacían selección de artistas con ofertas para exponer por todas partes del mundo, la verdad es que estaba un poco abrumado con tanta oferta, pero no todas las podía ejecutar. Todo esto me animó mucho para seguir trabajando hasta la fecha de hoy.

Inmediatamente después, fui contratado por la Obra Social de la CAM para apoyar en la gestión cultural y expositiva aquí en Valencia. La verdad que fue un trampolín muy importante por las relaciones profesionales que tuve, los comisarios, artistas, periodistas, marchantes, etc… digamos que entré en contacto con todo ese mundo que gestiona y está tras el arte , disfrutando de conversaciones y relaciones profesionales que me ayudaron en mi formación y conocimientos. Creo de verdad que fue un momento bastante dorado porqué me dio mucha seguridad y fuerza, consiguiendo una agenda muy importante de personas interesantes e influyentes del mundo del arte en Valencia. Gracias a los textos que la CAM editaba leía a muchos comisarios, empecé poco a poco a empaparme del estilo, de cómo se escribe, de cómo enfocan a los artistas, del texto definitivo para un catalogo. Todo este mundo me sirvió de mucho, trabajando, perfeccionándome, bueno, todo me animó para trabajar en la gestión cultural como comisario y como crítico.

CAM me propuso desarrollar un proyecto sobre el arte contemporáneo, fue entonces cuando pensé detenidamente en ello y busqué la colaboración de una conocida crítica de arte y planteamos siete conferencias durante un año que llevaban el título “De los nuevos medios al graffiti digital”. Contactamos con gente como Joan Fontcuberta, Jose Antonio Orts, y Susso 33, entre otros… vamos, con gente de un bagaje muy importante en el mundo del arte. Fue una experiencia muy enriquecedora. Me acuerdo tener unas charlas, como la de ahora contigo, con personas de esta magnitud artística, que no sabes cómo te absorben sus experiencias y sobre todo la sabiduría con la que te enriquece enormemente. Yo aconsejo, de vez en cuando, tener conversaciones con gente de este calibre artístico, porque la verdad es que te das cuenta que, cuanto “más importante” son, su entrega y naturalidad les hacen mucho más accesibles y sensibles, te aportan una riqueza muy importante, aparte de mucha positividad para seguir trabajando.

BARBARA :Llegamos entonces a tu actividad como director de la Galería Cuatro.
Cuando terminé de trabajar en la CAM comencé a escribir más en serio para los medios, es un campo algo difícil porque la crisis ya estaba allí; empecé a colaborar con una revista digital que también difunde en papel llamada “967arte”. La verdad es que esta revista me ha ayudado muchísimo como crítico, además me ha abierto contactos muy importantes, he hecho entrevistas a gente muy relevante del mundo del arte como al director del Museo Reina Sofía D. Manuel Borja Villel , la directora del IVAM Dª Consuelo Ciscar, al escultor Miquel Navarro y a D. Fernando Castro Florez, importante comisario y critico de arte…., y luego críticas sobre exposiciones de artistas como Maria José Pérez Vicente, Pablo Palazuelo, Ouka Leele, Lola Calzada y Richard White, entre otros; también colectivas como la itinerante llamada “Rostro y realidad Fotográfica” subvencionada por la facultad de BBAA de Valencia, etc… Vamos, una buena colección de entrevistas y críticas que he ido compaginando con mis actividades. También he escrito para SUITE 101, un conocido portal de internet y algunas colaboraciones para el periódico El Mundo gracias al periodista Salva Torres que lleva la pagina cultural de aquí en Valencia.

Coincidiendo con estos momentos, barajaba la idea de empezar a trabajar en una galería de arte. Me ofertaron ser el director artístico de la Galería Cuatro y acepté evidentemente.
Ya trabajaba con ellos como artista de la galería y en ese momento estaba desarrollando la segunda exposición de “Arquitectura Clásica” con una visión particular más contemporánea.

Desde que dirijo la Galería Cuatro, he fichado a artistas como Jose Vicente Guerrero Tonda, Maria José Pérez Vicente, Vinz Feel Free, Lola Calzada, Ana Donat, Nuria Rodriguez, Pablo Ferrer Rabanaque, Teresa Ruiz de Lobera, Lola Berenguer, Jose Miguel Vera, Jorge Carla, Carlos Montesinos, etc…
Desde que estoy en Galería Cuatro hacemos desde ruedas de prensa, presentaciones de libro, actuaciones en directo e intentamos que las inauguraciones sean más efectivas incorporando varias actividades, hay que mantener el público con esta dinámica que vamos creando. Galería Cuatro participa en una exposición a nivel internacional gracias a unos fotógrafos catalanes en el que la galería estará representada con su instalación; Galería Cuatro este verano participa en SELECTA, que es una convocatoria con la participación de galerías valencianas que enseñan al publico los mejores trabajos y artistas de la Facultad de BBAA de Valencia. “Propuesta Cuatro” es una exposición que propongo cada año, donde cuatro artistas merecen sin duda la oportunidad de que el público conozca sus fabulosos trabajos, pueden ser artistas valencianos y de cualquier parte del mundo. El año pasado lo hicimos con Ana Donat, Lola Calzada, M.J. Perez Vicente y J.V. Guerrero Tonda, y este año 2013 son Nuria Rodriguez, José Miguel Vera Sanchez, , Vinz Feel Free y Lola Berenguer, esta ultima viene desde Almeria. En este momento la Galería Cuatro está trabajando mucho por el castigado mundo del arte y a pesar de la crisis, desde que entré en mayo del 2012, vamos sumando éxitos.

BARBARA :¿Qué potencialidad tiene Valencia como ciudad del arte?
¿Qué movimiento artístico hay y ves?
Yo creo que el potencial artístico en este momento en Valencia es muy leve, nulo, casi cero. No creo que haya nada en este momento. Hace 20 años a lo mejor era todo lo contrario, había sueños y había una realidad completamente diferente a la de ahora. Había una arte emergente que surgía, había interés por el coleccionismo, había galeristas que trabajaban muy bien a los artistas que hoy en día soy muy conocidos, había una gran actividad en concursos, etc… El boom de todo fue en 1980-1990. Ahora lo que queda es la cola de todo aquello.

Valencia es una ciudad acompañada de la manipulación política y por el interés económico donde el arte y la cultura están siendo politizadas desde hace muchos años, poco a poco se ha ido reduciendo el mercado y al final te das cuenta de que no valoran en Valencia a los artistas que tenemos, hemos de movernos fuera de nuestra comunidad, y no sé por qué motivo, parece que lo que viene de afuera interesa más que el trabajo de muy buenos artistas valencianos! Parece ser que para el público es más sugerente o atractivo las firmas que vienen de fuera, puro marketing, y quiero pensar que lo mismo pasa con los artistas valencianos que exponemos fuera…porque la realidad tendría que ser todo lo contrario y volcarse más en los artistas de esta tierra, para evitar este éxodo que desde hace años los artistas valencianos sufren emigrando a otros países como México, Berlín, Nueva York, Italia,…buscando nuevos mercado , aquí nos hemos quedado cuatros gatos que tampoco dejamos de trabajar afuera, por ejemplo yo desde aquí he expuesto en Miami , Lisboa y Florencia y próximamente en Casablanca y Alemania, combinándolo con muchas ciudades de España.

BARBARA :Todas tus obras tienen un hilo conductor muy acentuado: son elegantes, atrayentes, provocadores. Además utilizas una técnica que va muy bien con lo que se quiere decir y estás muy atento a los detalles.
Tengo una frase que siempre digo cuando alguien me comenta y es que me alegro de haber provocado al espectador con mi obra porque si pasa desapercibida es síntoma de que no ha sido seducido, eso me pasa continuamente, de hecho, hace pocas semanas que inauguré en la Fundación Frax, en la rueda de prensa contesté: “Si no te provoco con mi obra para que me sirve ser artista!”. Cuando yo pintaba simplemente sobre tabla y me dedicaba a hacer una abstracción me lo pasaba muy bien, era muy divertido y creo que conseguía combinaciones muy rotundas, estaba muy satisfecho. Creo en la necesidad de que el arte está creado para seducirte y conseguir que el espectador se paralice delante de una obra. Pienso que, si una persona que pasa delante de una obra y no se detiene ante ella, el mensaje de esta está muerto……creo que hay que hacer un arte que provoque al espectador para reivindicar, para expresar, para comunicar, siempre con cualquier connotación para que el público se sienta atraído por lo que está viendo. Yo también necesito de esta chispa y me gusta que la gente me diga y comunique sus sensaciones.

BARBARA :Atracción y medio a la vez…
Yo no puedo escribir sobre mi obra, es totalmente imposible, lo que sale y cuentan de mi obra es lo que capto de los críticos que he leído en prensa. Leo lo que dicen y es verdad que quiero provocar y, si estuviese en mis manos, provocaría aún más. Si tú conoces la serie” Mestizaje” y “Entresombras” ves que me centro mucho en el cuerpo humano o directamente en el retrato o las combinaciones de cabeza de animales con cuerpos humanos: me interesa cada centímetros de piel, cada manifestación corporal, la expresión de un brazo, un ojo, el cabello, el pecho, en general el cuerpo humano.

En mi serie “Hardcore” me centro exclusivamente en esto, me gusta provocar solamente con ello y cuido al mínimo el detalle. Pienso que más que un buen fotógrafo me considero un buen creador de lo que es la escenografía en sí, es decir yo imagino la escena y tal y cual la expreso en el plató del estudio de fotografía. Por supuesto el misterio está garantizado y pienso que mis obras sí que provocan y pueden ser inquietantes, pueden asustar a las personas, pero como tú dices muy bien, es al principio, el impacto, la provocación del momento, luego en realidad queda el dialogo y analizas la pieza.
Todo este cocktail me fascina porque puedes pararte delante de una obra mía como si te paras delante de una imagen en la que te ves reflejado. A mí me gusta mucho la idea de que nos veamos reflejados en mis obras porque en realidad todos somos personas y creo que identificarte contigo mismo y ver lo que tu cuerpo es capaz de expresar es un premio para ambas partes.

BARBARA :Tus obras son espejos de nosotros mismos y fantasías que no queremos reconocer….
Claramente algunas piezas aluden al bondage, una actividad sexual muy común entre sus practicantes y que es muy explícita con sus imágenes, incluso el crítico Fernando Castro Florez también lo describe e identifica como tal en mis textos de la exposición de la serie “Hardcore” (Maniacs, Camara de comercio e Industria de Jaén). En realidad está claro que uso métodos típicos y clásicos del bondage, es normal por ejemplo lo de plastificar y atar el cuerpo desnudo, etc… Hay un fotógrafo muy bueno japonés llamado Araki, que usa mucho este recurso, muchas de sus modelos aparecen desnudas y atadas, claramente se ve una alusión a esta práctica sexual, por la postura, por la situación, etc…

Pienso que este artista es más explicito que yo con sus fotografías, mi bondage es más artístico porque en realidad evito en la imagen lo que mentalmente imaginamos, consiguiendo al final que esa práctica sexual se convierta en algo estéticamente muy bello… por ejemplo una persona que está plastificada o atada estaría representada en un contexto o situación aparentemente violento con finalidades sexuales… yo sin embargo las uso como complemento artístico y como parte de una escenografía plástica muy natural y elegante, sin mostrar ningún tipo de sufrimiento. Evidentemente es una provocación pero que a la vez sirve para que el público se emocione ante ella y dialogue con la obra.

BARBARA :Se trata de obras con una fuerte composición, todo está muy calibrado, como si estuviéramos en un teatro mirando las escenas.
Si, tiene algo de teatro pero no me extraña. Come te he comentado también colaboro como escenógrafo y esta disciplina es algo que está muy presente en mi vida laboral, como acabo de demostrar para la obra “Hilvanando Cielos” de Paco Zarzoso, que ha sido coproducida con el Centro Dramático Nacional De España y representada en teatros como el Talia de Valencia y el Valle-Inclan de Madrid.

BARBARA :«Pareja de hecho» es una de mis piezas favoritas. Hay algunos colores que le dan una composición especial. Háblanos de esta obra.
Mira que casualidad que me has pedido esta obra. “Pareja de hecho” es una pieza de dimensión considerable, algo grande, de la etapa “Entresombras”. Es soporte fotográfico con piezas de metacrilato enteras para cerrar la obra y estar protegida. Es una fotografía antigua de un matrimonio en el día de su enlace de principio de siglo XX°, al que decidí llamarle “Pareja de hecho”, porque pienso que este título es una frase muy actual y acertada que rompe con esa unión matrimonial tan clásica que vemos en la obra. Para romper aun más con la imagen, decidí crear una composición con colores muy vivos, algunos iconos, símbolos, rayas, luces y colores como el rojo, el amarillo y el negro, ayudan aún más a romper con la atmósfera y el mensaje original de la foto.

Barbara Bacconi,
marzo 2013
 

[thumbnails pageid=»410″ width=»206″ height=»150″]

Daniel Urta,
www.danielurta.com
www.facebook.com/urta.escultura

BARBARA :Veintisiete años en España, veintidós en Valencia, cuéntame esta historia de tu llegada aquí a Valencia, bajo el perfil artístico, quiero decir, ¿cómo nace Urta artista?
Viví en mi país hasta 1985. Desde 1973 a 1984 hubo una dictadura en Uruguay que padecimos los uruguayos y que ocupó una parte importante de mi juventud, seguramente aquella parte en la que uno se dedica a su formación. Fue así que cerrada la facultad de Bellas Artes mi formación artística consistió en mi participación en diversos talleres de artistas que se ocuparon a nivel particular de formar a los jóvenes que estábamos interesados en el mundo del arte, pintura escultura y grabado fundamentalmente.
En 1985 decidimos con mi compañera y mi hijo pequeño de casi 2 años venir a España. Los primeros 5 años los vivimos en Móstoles, año y medio y San Lorenzo del Escorial después.

BARBARA :¿En Madrid ya trabajabas como escultor?
Sí claro, yo hago cosas desde cuando no sabía lo que significaba la palabra artista. Tengo alguna foto tomada por mi padre cuando con 4 o 5 años hacía pequeñas cosas de barro y me afanaba en la tarea durante horas. Ahora muchas veces pienso que esa actitud de hacer en estado de concentración prolongado es la misma ahora que antes. Luego mutilaba las escobas de mi madre para tallar pequeños trozos de madera, las cortezas de los pinos también era un buen material para tallar.

BARBARA :Llevas en Valencia veintidós años, has podido ver todos los cambios que ha habido en esta ciudad, culturalmente hablando. Todo esto ha influido en tu arte, en tu personalidad ¿o no?
Si, en 1990 llegamos a Valencia y al mes nació nuestro segundo hijo. Nuestra situación en esos momentos era la de una familia de emigrantes que repetía la experiencia cinco años después de haber llegado a Madrid. Fue muy difícil dadas nuestras circunstancias pero con la juventud y la ilusión de aquellos años nos instalamos y a vivir. Creo que uno emigra porque no sabe lo que es. Éste tipo de experiencias marcan y si no te vencen vences tu y te haces más fuerte. El arte es el resultado de tus experiencias, de tu vida. Creo que el hecho de empezar a ver en persona obras que habías visto en los libros influye en mi hacer artístico, creo que empiezo a aprender de verdad… la Valencia del sol de Sorolla, la marinera, la de los arroces en la Malvarrosa, la del Barrachina que alcancé a conocer, la del barrio del Carmen seguramente ha influido en mi personalidad y por necesidad en mi arte. Esta ciudad vivió un apogeo cultural con el Ivam por bandera que lamentablemente se ha ido debilitando con el tiempo. Era una ciudad más alegre y divertida y culturalmente mucho más interesante.

BARBARA :El hombre vive influenciado por su entorno y esta influencia repercute en su arte, en tu caso no ves mucha influencia por parte del entorno….
El trabajo artístico es un trabajo solitario y nace de la intimidad, de adentro hacia fuera y sale por necesidad en el entorno en el que uno se encuentre y sea el que sea. No creo que el entorno sea un factor determinante a la hora de crear, al menos en mi caso.

BARBARA :Habrás conocido artistas con los que conectaste….
He conocido gente buena aquí en Valencia por supuesto, galerías que han expuesto mi trabajo y a las cuales estoy muy agradecido porque me han permitido desarrollarme artísticamente, con muchísimas dificultades, pero ininterrumpidamente he podido seguir mi camino. Algunos artistas y críticos han valorado mi trabajo y esto me han hecho sentirme dentro. En 1999 me dieron el premio Bancaja de escultura, es un medio en el que he podido hacerme un lugar.

BARBARA :Te conocí en la apertura de tu exposición personal en la galería Kessler Battaglia en Valencia, exponías obras en yeso que después conviertes en bronce.
Las esculturas en yeso te sirven como modelo ¿porque este material y no otro?
El yeso es un material que trabajo hace años y por esto que conozco bien. En origen es una piedra que se convierte en polvo y que yo al trabajarla vuelvo a convertirla en piedra. De la piedra al polvo y del polvo a la piedra, una metáfora del carácter transformador del quehacer artístico. En escultura generalmente se utiliza como material intermedio, es decir como prototipo al cual sacarle el molde para hacer la pieza en otro material. En el caso de las obras que vistes en la Kessler Battaglia, las esculturas fueron tratadas como esculturas en sí mismas y como prototipos al mismo tiempo. Esto significa que la obra original es la de yeso que vistes en la expo, pero que a la vez es susceptible de ser reproducida en otro material, por ejemplo bronce.
En este caso la obra tendrá otro peso, otro color, otro carácter, siendo la misma sería otra.

BARBARA :Entonces las esculturas que vi te sirven como modelo pero no lo son, no son bocetos, son obras que nacen en yeso.
Si así es, la obra es la que ves y ofrezco la posibilidad de reproducirla en otro material. Esto ha sido así en esta exposición, en este caso particular.

BARBARA :Si un comprador quiere comprar una obra en yeso sin fundirla en bronce ¿sería posible? ¿Te daría igual?
En este caso particular las obras que vistes en KB permitirían 5 ejemplares de c/u. Respondiendo a tu pregunta, vendería el yeso luego de hacerle el molde para hacer las 5 copias en bronce.

BARBARA :Hasta ahora ha habido gente que se ha ocupado de vender tu trabajo…
Si y mucho que lo agradezco. La parte comercial y la gestión de mi trabajo no es mi fuerte, es la parte de todo esto que tiene menos interés para mi, si es que tiene alguno, por eso cuando me ocupo de esta tarea creo que no llego a hacerlo del todo bien. También se que es una tarea imprescindible para poder vivir y seguir haciendo mi trabajo, por eso encuentro personas que lo hacen por mí con las retribuciones del caso como es lógico.

BARBARA :Como ahora hay mucha crisis los artistas deben inventarse las maneras para llegar a las personas, a los compradores…
Si, se está hablando mucho de todo esto. Creo que las redes sociales pueden ser una vía para dar a conocer lo que uno hace. No estoy muy puesto en el asunto. Lo que intento es que la gente que me rodea se entere de que va todo esto y me ayude.

BARBARA :Las obras colgadas en la web son de hierro, y admito que el impacto visual y estético cambia mucho (respecto a las obras de KB) además hay esculturas que llevan un fuerte simbolismo…Estos trabajos son muy esenciales, pulidos, minimalistas, hermosos. Aquí no hay rastros de ornamentación. Te encanta la sencillez en el lenguaje que es muy directo…
Si, el simbolismo está presente en este trabajo y en todos. Siempre hay una idea que sostiene la obra, que es lo que le da sentido y por sentido entiendo aquello que hace que una obra se realice, su razón de ser y estar. El significado viene después y ya no es patrimonio exclusivo del autor, también le pertenece necesariamente al espectador. En el espectador se completa la obra. El simbolismo representa ideas de la realidad, salidas de ella como no puede ser de otra manera, como escribió Borges, con quién tengo el honor de compartir árbol genealógico, “lo irremediable de la realidad es que existe”, claro, no hay otra cosa. Creo que el simbolismo es el cuerpo que toma la idea para hacerse evidente.
Los trabajos en hierro a los que te refieres, toro, perdiz, retrato, etc., tienen un carácter ideográfico y el contraste estético con mis últimas obras, las arque+grafías en yeso de la exposición en KB es evidente. La diferencia de material y su figuración sintética son anteriores a las arque+grafías en las que la síntesis deja de lado toda relación con la figuración para entrar en construcciones abstractas.

BARBARA :Un lenguaje muy típico del escultor es quitar en lugar de poner… Es tomar la materia y quitarle todo lo superfluo, quitar para buscar.
Si, cada obra es una especie de descubrimiento y descubrir es sacar para dejar ver lo que está debajo o en el interior. Este trabajo es la síntesis a la que me refiero, una búsqueda de lo esencial en pro de una comunicación clara y radical. Se quita para “animar” la obra, para ponerle alma, si una obra no tiene alma no es más que una cosa. Eso que hace que una obra sea algo más que una cosa y llegue a emocionar, ese misterioso plus transformador es el arte.

BARBARA :Las esculturas que vi en tu última exposición son muy diferentes de todo lo hecho hasta ahora, son juegos geométricos, ventanas abiertas hacia un mundo privado, son bordados y llenos de simbolismo…
Los primeros bocetos los hago en Uruguay en abril de 2010 tres meses después de la muerte de mi padre. Son fruto de un estado especialmente emocionado, intenso.
Creo que en este tipo de situaciones los obstáculos para llegar a lo hondo desaparecen. A principios de 2012 casi dos años después retomo los bocetos y continúo con los dibujos que van surgiendo a modo de escritura uno tras otro hasta llegar a la cantidad de alrededor de sesenta. Con la cruz como elemento estructural constructivo alrededor del cual se construye la geometría, decido transformar lo hecho en esculturas. Me valgo de la desnudez de la geometría y del orden de la simetría para expresarme. La textura del material y su blancura contribuyen también a relacionar la carga íntima con lo espiritual, con lo místico. No se trata de una geometría formal, esteticista, que no me interesa, se trata de una geometría de la subjetividad. A lo largo de mi trabajo han estado presentes artistas a los que admiro como Brancusi, como Oteiza o Mark Rothko, artistas que trasmiten emociones básicas, que sacralizan sus obras valiéndose de la geometría en su aspiración de síntesis, tomando el camino más corto por ser el más directo. Tú me hablas de ventanas y me vale, pretendo que se abran en el espectador y hacia él, que puedan valer para la auto-reflexión. Siempre he tenido la ilusión que mis obras tuvieran un efecto benefactor en las personas que las contemplen, brindarles un silencio entre tanto ruido, algo de claridad ante tanta confusión.

BARBARA :¿Y qué investigaciones has hecho?
Bueno, esta aventura artística como todas nace de mi pequeño mundo propio. Cuando pienso no actúo y cuando actúo no pienso .Luego el trabajo comienza su desarrollo, empieza el viaje, la obra se va haciendo y casi sin pretenderlo uno va encontrando lecturas, músicas, imágenes que van conspirando a su favor. Por ponerte algunos ejemplos: “ La cueva de los sueños olvidados”, un documental de Werner Herzog acerca de una cueva prehistórica que encontraron intacta en el sur de Francia, me hace pensar en la atemporalidad del arte y que la idea de progreso no está en su ámbito, “ Las ruinas circulares”, un magnífico cuento de Borges ,donde convierte la irrealidad en realidad , mostrando como la literatura en este caso, crea una realidad paralela , o la música de Satie que escucho mientras trabajo, son algunas de las cosas que uno se va encontrando entre muchísimas otras ,que van apuntalando , no libre de dudas, el trabajo emprendido. Me hago las preguntas elementales, las que nos pertenecen por nuestra condición humana, conceptos de vida y muerte, masculino femenino, la dualidad y su consiguiente conflicto…Cuando reflexionamos sobre el ser humano, su condición y sus orígenes, estos conceptos se presentan inevitablemente. Si hablamos de existencia, vida y muerte son aconteceres de lo mismo. Por ejemplo, allí ves dos dibujos de dos esculturas en las que estoy trabajando ahora, una tiene un “carácter” femenino y la otra masculino, para ti, cual es cual?

BARBARA :Para mí son los dos femeninos, pero el de la derecha tiene también lo masculino…
Pues coincides con la opinión de las personas a las que se lo he preguntado antes. Si desde la abstracción, sin valerme de la obviedad figurativa puedo dar tal carácter y su emoción correspondiente, pues el resultado es el correcto.

BARBARA :Me contabas que cuando murió tu padre empezaste a dibujar y que los dibujos quedaron aparcados casi dos años como esperando el momento adecuado para ser retomados. Al final han nacido obras bellas, obras sobre las que comentar, obras que nos relacionan… La muerte no es entonces algo tan feo, hay una parte dramática como también una parte alegre y ambas forman un todo que se llama vida y no es cierto que de lo dramático no surja algo bueno…
Si surgen de mi intuición emocionada, pero para elaborar un trabajo hay que esperar que pase la tormenta emocional y ver si lo que ha salido merece su desarrollo. De lo dramático, de lo intenso sale lo que vale la pena y la alegría es la alegría de vivir.

Barbara Bacconi,
febrero 2013
 

[thumbnails pageid=»369″ width=»206″ height=»150″]

Patricia Niclós López,
www.patricianiclos.com

BARBARA: HÁBLAME DE TU CARRERA ACADÉMICA…
Estudié en la Escuela de Arquitectura de Valencia, quería siempre estudiar tanto Arquitectura como Bellas Artes. Desde pequeña, lo he tenido muy claro. Empecé Arquitectura que es una carrera muy técnica, tiene una parte artística pero sobre todo más técnica, como estructuras, construcción, proyectos, y yo necesitaba más otra parte artística y creativa así que, en 5° curso, decidí estudiar Bellas Artes.
Combiné las dos, estudié dos años las dos carreras a la vez, así que Bellas Artes complementaba Arquitectura y, en el 2008 terminé Arquitectura y luego, en 2011, terminé Bellas Artes. Han sido 10 años dedicados completamente a las dos
carreras.

BARBARA: TUS INTERÉS EN LAS ARTES PLÁSTICAS NACEN ENTONCES CUANDO ERAS MUY PEQUEÑA….
Yo siempre he ido a clases de pintura; desde los 6 años he ido a academias de pintura aquí en Valencia, siempre he estado en contacto con el arte y con la creatividad porqué tenía muy claro que quería meterme por las disciplinas artísticas.

BARBARA: ¿DE DONDE NACEN TUS INVESTIGACIONES ?
La arquitectura pues lo que me ha dado, sobre todo, es que es una carrera muy disciplinada, el orden, la composición, la abstracción que tienen los proyectos, pues ha influido en lo que es mi parte más artística, la arquitectura se nutre de bellas artes y bellas artes de arquitectura, entonces mi pintura nace de la naturaleza al igual que los proyectos de arquitectura se integran con el lugar y nacen del lugar, siempre tengo en cuenta donde está el proyecto, utilizo siempre el material del lugar, como por ejemplo la piedra, cerámica, etc, e intento llevar ese material a su pura esencia y hasta el final. Entonces siempre lo que es el proyecto se arraiga a la tierra, a lo que es el lugar, están integrados en el lugar. No son proyectos que pueden estar en un sitio o en otro, si no que intento que el proyecto pertenezca al lugar y se integre.

BARBARA: ¿ENTIENDES LUGAR COMO TERRITORIO? UN PROYECTO ENTONCES QUE NACE AQUÍ EN VALENCIA DEBE ESTAR LIGADO CON EL ÁREA, CON LA ATMÓSFERA, CON LOS COLORES, EL PAISAJE DE LA CIUDAD?
Sí, con todas las sensaciones que te transmiten, y el proyecto que nace aquí no puede llevarse a otro lugar porqué es de aquí, o sea se integra totalmente con este lugar, si Valencia tiene mar, si es plana….el proyecto ha de integrarse a su territorio.

BARBARA: ¿Y CON LOS CUADROS?
Claro que hablamos de arquitectura porque en pintura es otra cosa. En arquitectura por ejemplo los proyectos siempre han de integrarse a lo que es la naturaleza y al lugar, claro no se pueden llevar a otro lugar. Mis investigaciones en el arte nacen de todos mis proyectos de arquitectura, por eso trato siempre de contar la naturaleza de una forma abstracta en mis cuadros como en mis proyecto de arquitectura. Mis líneas siempre son abstractas, la arquitectura se nutre de las bellas artes como las bellas artes se nutren de la arquitectura y yo intento ligarlo todo.
Soy Arquitecta y Artista a la vez.

BARBARA: ¿CUÁNTO HA INFLUIDO NACER EN UNA CIUDAD COMO VALENCIA? QUE, A PESAR DE LOS GRANDES CAMBIOS SOCIALES, PERMANECE ANCLADA A FUERTES TRADICIONES RELIGIOSAS Y CULTURALES.
Yo creo que Valencia tiene mucho potencial, por cierto ahora estamos en un período difícil pero Valencia tiene una grande facultad de Bellas artes y muchísimos artistas reconocidos a nivel mundial y creo que es una ciudad que será mucho para el arte.

BARBARA: ¿RECONOCIDO MUNDIALMENTE COMO?
Gente de ahora, de la facultad por ejemplo, que hayan estudiado en esa facultad, Juan Uslé, pintor, Victoria Civera. Pero también hay gente joven con mucho potencial, y hay que seguir evolucionando.
Sí, es verdad que Valencia está muy anclada a sus tradiciones festivas y culturales pero, al igual que el arte evoluciona, creo que también las tradiciones tienen que evolucionar a lo largo del tiempo y adecuarse a los intereses que tenemos en el momento. Entonces sí que creo que hay que conocer las tradiciones, por ejemplo en Valencia las tradiciones culturales importantes son las Fallas, que, sin embargo, siguen ancladas a una forma de hacer, que sí que tendrían un poco que adecuarse a los intereses de la sociedad de este momento, por ejemplo meter nuevas tecnologías, que los artistas se involucren más en lo que son las tradiciones culturales y que ellas evolucionen igual que el arte va evolucionando a lo largo de la historia. Sí, las tradiciones tendrían que ir evolucionando pero claro, es importante conocerlas porqué es nuestra historia. Valencia es una ciudad costera que tiene mar, yo siempre he veraneado en el mar y creo que esto influye en lo que es mi forma de hacer el arte y la arquitectura; los colores que llevan las sensaciones que te transmiten ….yo creo que siempre , aunque no me dé cuenta a veces, siempre está presente en mi obra artística . Sí que es importante el lugar donde has nacido y crecido, para la obra artística.

BARBARA: HACES UNOS MESES HAS VUELTO DESPUÉS UN PERIODO DE  TRABAJO EN NUEVA YORK. HÁBLANOS DE LA EXPERIENCIA DE TRABAJAR EN UN ENTORNO COMPLETAMENTE DIFERENTE DEL TUYO.
Yo he estado 6 meses trabajando en Nueva York con una beca de la Universidad Politécnica de Valencia, y he estado trabajando en un estudio tanto de arquitectura como de arte, lo busqué que fuera de las dos ramas. Entonces ha sido pues todo un aprendizaje tanto personal como profesional, porque hemos trabajado en equipo y hemos trabajado para concursos internacionales en arquitectura por todo el mundo, tanto en Europa como en Asia, en Estados Unidos, y bueno, tuve la suerte de poder participar en un proyecto en una galería de arte de Nueva York. Era una instalación que nosotros construimos en el estudio y fue toda una experiencia porque fue un contacto directo con el mundo de las galerías de Nueva York, fue muy interesante y la verdad es que me ha abierto nuevos horizontes. Muy contenta con la experiencia.

BARBARA: UN ENTORNO COMPLETAMENTE DIFERENTE A LO TUYO…
Creo que Nueva York es una ciudad muy de contrastes, tanto a nivel cultural como a nivel de arquitectura, o sea hay muchísimos barrios diferentes, está Manhattan con los rascacielos, luego también hay barrios con casitas bajitas más acogedores.
Al igual que de culturas, te vas en el metro y puedes ver 50 nacionalidades juntas. Es una ciudad muy de contraste, y claro que ésto influye pero sobre todo lo que me impacta de la ciudad es el respeto que hay entre las culturas. De verdad, es muy interesante tener la oportunidad de vivir allí una temporada. Sobre todo ha sido un aprendizaje a través del arte, he podido visitar Museos tan importantes come el Metropolitan, el Guggenheim, el MOMA…varias veces.
El Metropolitan ha sido el que más me ha sorprendido, porque allí hay una cantidad de arte moderno, contemporáneo y clásico que es impresionante y tener la oportunidad de poder visitarlo varias veces ha sido un gran aprendizaje a nivel
cultural y profesional.

BARBARA: COMO ESTÁ ORGANIZADO
Está organizado muy bien porqué está separada la parte europea con la parte americana, y aparte está separado lo moderno de lo contemporáneo y de lo clásico, entonces tiene un recorrido muy interesante a lo largo de la historia, nada está mezclado.

BARBARA: HÁBLANOS UN POCO DE TUS OBRAS, ESAS QUE SON MUY TEXTURADAS, COMO SI SE TRATARA DE UNA BÚSQUEDA CONTINUA, “OBRAS NUNCA TERMINADAS”. ¿QUÉ ENCONTRAMOS EN ESTAS OBRAS? QUÉ BUSCAS?
Se trata de una investigación total, a mí lo que me interesa de la pintura es investigar los materiales y utilizarlos en su pura esencia, por ejemplo tiro la tinta sin disolver nada, dejo la tinta caer directamente en el lienzo tal cual sale del bote. Me muevo dentro del expresionismo abstracto, a mí me interesa expresar con la abstracción lo que es la naturaleza, entonces sí que es verdad que son obras inacabadas porqué siempre hay una investigación, siempre hay una búsqueda. Yo no sé cuando hay que terminar la obra y también es lo interesante de la obra, es decir “me paro aquí” o “podría seguir”, pero lo interesante es saber parar y saber coger el lienzo y empezar de nuevo a investigar. Ahora por ejemplo estoy con una línea de cuadros que se llama “Naturaleza Óxida” , “Tamices” y “Ramas” y todas parten de la misma línea investigadora. Te cuento como trabajo los lienzos: yo trato el fondo siempre con degradados de color con capas muy finas de oleo, intento siempre que los colores se degraden y luego pongo las líneas de tinta que dejo caer en el lienzo, se actúa así como un tamiz de luces y sombras que dejan entrever la naturaleza y la atmósfera que se genera detrás. Siempre trabajo con lienzos grandes para que el espectador se sienta implicado en esta naturaleza.
Por ejemplo cuando empecé con la tinta, en un folio pequeño, fue muy fácil lo difícil fue llevar esa forma de tirar la tinta a un tamaño por ejemplo 2×2 , así que tuve que crearme una estructura de madera, me construí un tablero, casi una pasarela, para moverla yo y poder tirar las líneas de tinta. Entonces fue un reto de cómo llevar un formato pequeño a un cuadro muy grande, porqué lo que me interesaba era que el espectador se sintiese implicado en la obra.
Cojo la tinta con una espátula, la tiro a pulso y cuando acabo la línea, vuelvo a coger tinta de nuevo. Es un trabajo muy riguroso, la casualidad y el azar interviene mucho. Las líneas deben ser muy precisas, por eso la arquitectura está muy presente, la arquitectura es muy precisa, muy rigurosa, y creo que se transmita en la obra pictórica.

BARBARA: ME HAS DICHO QUE TE MUEVES EN EL MARCO DEL EXPRESIONISMO ABSTRACTO…
Si, precisamente me refiero al expresionismo porqué mis obras también son de tirar las líneas, trabajar en el suelo, trabajar con formatos muy grandes, moverse dentro de la obra….
A mí siempre me ha interesado el Expresionismo Abstracto, pintores como Mark Rothko, Clyfford Still, Franz Kline, Richard Diebernkorn…

Barbara Bacconi,
febrero 2013

[thumbnails pageid=»285″ width=»206″ height=»137″]