El fin de semana pasado opté por el Museo de Bellas Arte San Pio V, el Almudín y el Centro del Carmen, una ruta bastante clásica y “debida”.
En el Museo Pio V, además de la colección, se puede disfrutar de la exposición de Vicente Beltrán Grimal, una expo “simple” pero muy bien organizada, con un recorrido muy explicativo y claro.

Hay que dar una vuelta por las salas “Sorolla” y apreciar la habilidad técnica de este pintor. Hay también  que pausar delante obras de arte maravillosas como, por ejemplo,  las de Vrancke Van Der Stock (1420- 1495).

Del Museo Pio V hasta el Almudí el paso es muy breve: cruza el puente Trinita, camina todo recto por calle Salvador y  llega directamente en un punto en que se te abre un escenario único, un cuadro  en plein air: la Basílica de la Virgen de los Desamparados, el ábside de la Catedral, la plaza adyacente la Fundación Universidad Católica y la Cripta Arqueológica de la Cárcel de San Vicente.

En el Almudín, una joya de arquitectura, construido a principio del siglo XV, hay la exposición de Francisco Sebastián Nicolau, “Hilvanes”, una serie de 57 obras realizadas en los últimos 4 años.

La exposición ocupa completamente toda la superficie perimetral y, también, el corpus central: las obras se “repiten” una de tras de la otra y, a la vez, respiran de propia autonomía. Hay que acercarse y observar cada matiz, cada sombra, cada juego magistral que el autor valenciano,  ha sabido crear.

El Centro del Carmen se impone majestoso en la soleada plaza del Carmen.
En el claustro gótico, al lado de la entrada, nos acogen grandes obras en cerámica del artista Arcadi Blasco.
“Ver visiones”, “De Rubens a Van Dyck” y “Sobre papel” son las otras exposiciones temporales que se encuentran en el Centro, hasta julio.
Pero sí que hay una cuarta que, personalmente, me ha llamado un poco más la atención.
Se trata de una retrospectiva del autor José Soler Vidal, conocido como  Monjalés, pintor nacido en Albaida (pequeño ayuntamiento de la Comunidad Valenciana) y que, después de un largo tiempo, ha vuelto, en 2013, en su tierra natía.

Unas 50 obras que pretenden recorrer la vida artística del autor, pasando por diferentes tipos de lenguajes y sujetos representados. El retrato de su padre, una escena familiar, el paisaje nativo forman parte de una pintura más realista, donde, con pocos colores y líneas, el autor consigue regalarnos escenas de vida cotidiana.

En la segunda sala lo que nos más llama la atención es el juego cromático impresionante, donde, el color morado, es el hilo conductor de esta serie de obras. Los personajes se repiten y se alternan entre ellos en movimientos muy teatrales; son personajes estilizados y dados por unos contornos acentuados  (azul, negros, etc). Observamos lo fuerte que es la referencia a la pintura de Hieronymus Bosch: hace falta acercarse y ver todos los detalles más pequeños en cada cuadro.

En la tercera y cuarta sala, nuestro teatro cambia escenografía: los cuadros son fuertemente matericos y protagonizados por símbolos astrológicos.
A veces, el cuadro se transforma en pura mancha de color y, a veces esta misma mancha, parece quebrar el fondo oscuro de la tela. La última sala acoge cuadros en que el pintor parece haber privilegiado la estética a la técnica: el material ha sido más tratado, manipulado e investigado.

Una exposición guiada, muy linear, histórica diría que, sin duda, nos acerca a otro muy buen autor valenciano.
Hasta el 29 de junio en el Centro del Carmen y, hasta el 7 de septiembre, en la Fundación Chirivella Soriano (Valencia).

Barbara Bacconi
Art Curator

Empezamos entonces desde el título de la pieza de Natxo Montero, “Carni di prima Qualità”.

Parece que hay una estrecha relación entre los elementos utilizados en la obra. Esa misma, de hecho, va desde las técnicas de la improvisación teatral hasta las musicales; toca conceptos como la carne, el rol, el poder.
Todo està unido bajo el titulo Carni di prima Qualità, precisamente.
Tambien nosotros espectadores, tenemos que improvisar, es decir adoptar los mismos elementos que han usado los artistas e imaginar, jugar, dar un significado a todo el palimpsesto. Eso para que cada elementos se enriquece con los otros, encontrando así su proprio significado.

Actores entonces, una mujer e un hombre y no viene al caso, están desnudos: nos muestran sus cuerpos, sus músculos. Sí porque la carne, generalmente, se refiere a la parte externa del cuerpo, a lo que es visible; es la  parte que nos permite tener una relación más cercana y directa con el mundo. Además, el hombre se nutre de carne!

Pues, aquí, lo masculino y lo femenino de la  pieza se encuentran para chocarse, tocarse, acariciarse, para golpearse. Ellos se mantienen unidos en un fuerte abrazo y, después, se echan al suelo. Empiezan entonces de nuevo a buscarse, cambiando ligeramente las medidas y los movimientos. Se alejan  para perseguirse.

El cuerpo, los músculos, esta carne, se convierte en la protagonista de nuestra atención y la observamos cuando enrojece por los golpes a los cuales está sometida. También sentimos el dolor, sea físico u moral. Un dolor ligado al alejamiento y, luego otra vez, a la búsqueda del otro sexo. Sentimos el dolor provocado por el golpe, violento y brutal que ellos se dan. También sentimos la fuerza de la atracción.

Dos personas, dos sexos, dos papeles que se mueven en uno espacio escénico, el teatro precisamente. Roles, un termino que nos da bien la idea de la parte que cada uno recita en la escena de la vida como la de la sociedad en relación al mundo. Rol, que significa también rueda, disco, una “cosa” que gira entonces, una cosa que se mueve, que cambia. Nosotros estamos en un teatro y, los protagonistas, juegan sus roles, los hacen girar, los cambian, los van a poner en discusión. Y, para ponerse en discusión necesitamos de uno estrés emotivo y físico, necesitamos de un trauma, necesitamos de una ruptura provocada por un choque, por un golpe. Necesitamos hacernos mal.

En el juego de los papeles también está analizada la relación del poder que, por lo general, está delegado en el hombre, con sus músculos y  su violencia.

Hablamos de aquel  poder que también se manifiesta en las relaciones entre hombre y mujer, del poder que significa fuerza, es decir la capacidad de afirmar la propia voluntad, la capacidad de afirmar el propio ser. La protagonista de la pieza reivindica la identidad femenina y usa  sus músculos, su carne  para hacerse espacio en la relación social.

El mensaje contenido en “Carni di Prima Qualitá” empieza entonces  a tomar forma en nuestra percepción, ocupa un espacio, lo teatral, y recorre un tiempo, es decir la historia de nuestra cultura.

El tema representado identifica muy bien con las técnicas teatrales usadas por Natxo Montero. Se nota claramente la improvisación o, mejor dicho, el match de improvisación, es decir un particular genero de teatro que combina las técnicas de la improvisación con las reglas de un encuentro deportivo.

Una improvisación entonces, una puesta en escena del “aquí y ahora”,  dependiendo de las sensaciones y de las emociones del actor,  dependiendo de su interacción con el publico.
Una improvisación donde todos los ruidos y las miradas que cruzamos con ellos se convierten en la armonía, el ritmo y la melodía que forman parte de la partitura de la obra que estamos observando.

Barbara Bacconi
Art Curator
ARTIUM , Vitoria-Gasteiz 2011

Empezamos entonces desde  elementos escenográficos  evidentes: una casa,  domicilio y propiedad del autor; una cámara que el artista lleva en su espalda para capturar  un “hecho” del cual hablaré; la complicidad de la noche y la oscuridad de la vivienda en la cual, una luz fija se abre paso dentro de un camino; el ruido, constante y lleno de ansiedad, claro efecto de movimientos violentos, desplazamiento de objetos, resultado de pasos pesados.

Después de otra reorganización el artista invita, a través de una carta,  a algunas personas para que vengan a su domus, con la intención de pasar algún tempo con ellas, tomando un café o degustando pasteles.

Estas son las historias de los que visitan la casa.
Yo debo partir desde otra perspectiva, es decir observar lo que hace el artista en el “antes” de cada invitación, o sea en los momentos de la intervención en su casa. Entonces, empezar desde el primer “ciack”.

El artista, desde el primer momento, parece invitarnos a seguirlo. Así, de esta manera, quedamos pegados al monitor unos 27 minutos examinando lo que está ocurriendo, sin darnos cuenta de que el tiempo pasa en una repetición continua de movimientos, sensaciones y emociones. Nos quedamos atrapados con la ingenua esperanza de que “algo cambie” aunque eso no vaya a pasar.
La oscuridad de la casa es evidenciada por una pequeña luz, situada  en la espalda: dos elementos opuestos que van a crear el primer ìncipit emotivo que advertimos. Eso es dilatado gracias a otro elemento que enseguida se hace presente, es decir el ruido, que sin duda, es eco de acciones que se repiten, dirigidas hacia una búsqueda, dirigidas hacia un trabajo de construcción y destrucción.

Pues, el artista se mueve en una búsqueda en curso y, por lo tanto, nos preguntamos: ¿por qué lo hace?, ¿adónde va?, ¿qué quiere mostrarnos?
Para encontrar respuestas yo debo partir desde un punto, lo que considero el recipiente y, a la vez, un tableau vivant, es decir la casa.
La casa representa la base de la vida psíquica de un individuo y por lo tanto Schneider, con ese trabajo, podría hacer una especie de investigación mental.

¿Por qué razòn?: para ponerse en cuestión, para revalorizar las percepciones, los pensamientos, las emociones y las sensaciones. No sólo eso, la casa representa el refugio, el nido, la alcoba, la guarida, un lugar adonde volver. Ella nos protege, nos calienta, nos cuida. Pero, a la vez, nos separa del mundo.

Con ella ponemos un limex  y,  revalorizando los cimientos de la casa,  también revisitamos estos confines: podemos fortalecerlos  o derrumbarlos para crear nuevos y distintas relaciones col mundo.

En este caso sin embargo el autor juega en el cierre respecto a la abertura: construye para tapar, construye y destruye para crear capas de muro.
Por parte del autor podría ser una análisis hasta llegar a un punto “cero” y, una vez llegados allí, demasiado débiles para seguir en una especie de “revolución humana”, tapamos, cerramos, regresamos de nuevo en nuestras viejas fobias, opiniones, maneras de pensar.
Un mensaje, el del autor, que nos revela, sin duda, un estado de ánimo íntimo y que quiere ser fortalecido por esas acciones repetitivas. De hecho la acción repite a si misma y crea un círculo cerrado, hay mucha confusión y desorientación: no sabemos adónde estamos, en qué punto de la casa nos encontramos, pero tenemos la posibilidad de hacer luz, de buscar una manera para “salir”. Tenemos el deber de crear tensiones  para hacer espacio a todo lo que es “nuevo” y lo que ya existe en nuestra vida.

Barbara Bacconi
Art Curator
ARTIUM, Vitoria-Gasteiz 2011

BARBARA BACCONI

L’alchimia, oltre ad essere una disciplina fisica e chimica, implicava un’esperienza di crescita ed un processo di liberazione e salvezza dell’artefice dell’esperimento.

In tutto il lavoro artistico di Beatriz non mancano certo questi elementi: l’alchimia, l’esperienza di crescita ed il processo di liberazione. Tutti elementi, questi -come molti altri-, che negli anni hanno sicuramente caratterizzato il lungo lavoro di Beatriz Irene Scotti.

Non c’è un soggetto prediletto, ma c’è la donna, la Mujer con su cuerpo, che viene elaborata, trasformata, filtrata dalle mani di Beatriz; non c’è un solo colore ma una vasta gamma di colori che danzano e prendono anche loro corpo fra le abili mani dell’artista. Non c’è l’uso di una sola tecnica ma  tante e diverse fra di loro, come i materiali che Beatriz utilizza per giocare: vetro, rame, metallo, nastri, fiori, chiavi, bottoni, fotografie. In tutta questa miscellanea di tecniche e materiali, l’argilla è sicuramente il filo conduttore delle opere dell’artista: il raku, il gres, la porcellana, la terraglia e molte altre, come se esse rispecchiassero tutti i luoghi vissuti e visti da Beatriz.

Nella sua vita non c’è una sola terra di origine ma ce ne sono tante: Beatriz è una viajera, una viaggiatrice del mondo e, proprio questo mondo vissuto e conosciuto, si riflette nei suoi lavori, nelle sue ricerche, nelle sue fantasie, ma anche nella sua poesia.

Guardando le sue opere di sicuro si respira la sua Argentina e tutto il cosmopolitismo tipico di una città come Buenos Aires, ma si vedono anche i colori del Brasile, della Spagna e di molte altre terre. Le sue mujeres, le sue boquitas pintadas, i suoi nidi…insomma la sua arte proviene da tutto il mondo, attraversa la sua anima, la sua psiche, fino ad arrivare alle sue mani che giocano e liberano la sua immaginazione.

Barbara Bacconi
Art Curator
Firenze, 2010

Di un primo necessario momento di sofferenza mi soffermo a parlare, di un momento storico, quello di Vanessa Gai che è stato protratto nel tempo e ove, ad un certo momento, Vanessa ha deciso di trovarvi una soluzione. Cambiare!

Vanessa Gai si butta, lascia cioè la casa paterna e decide di andare a vivere da sola. Si butta, lascia lo studio di pittura ove, per troppo tempo, andava a dipingere copie d’autore e decide di dipingere cose sue, che appartengono esclusivamente al suo mondo interiore, messo a tacere in un remoto angolino ma che, dentro, fremeva ardentemente per essere manifestato.
Per lungo tempo Vanessa ha voluto e dovuto proteggere quella sua interiorità con pennellate di colore e stili pittorici non suoi; per lungo tempo Vanessa si è rifugiata dietro ad un Klimt, un Monet, un Vermeer, fra gli altri.
Ma lei, dov’era?

Vanessa Gai mi parla con l’entusiasmo di un’adolescente ed è così che vuole descrivere quel periodo storico: “….mi sentivo ancora un’adolescente, chiusa ovunque e con chiunque….genitori, nello studio di pittura a Empoli; vivevo insicura, non volevo farmi vedere”, riferendosi in questo modo anche al suo rapporto con la pittura. Ma dentro, un piccolo seme aveva già cominciato a germogliare.

Sulla scia di questo cambiamento Vanessa decide quindi di mostrarsi e si “mette in vetrina”. Nel dicembre del 2008 si propone all’ Evolucion Caffè di Empoli per una pittura estemporanea, in occasione di  eventi musicale che hanno come filo conduttore la musica jazz. Saranno quattro gli incontri, dal vivo, in cui Vanessa avrà a che fare non solo col pubblico pronto lì a vedere il suo artefatto ma, soprattutto, dovrà scontrarsi con le sue paure, incertezze, con un suo linguaggio pittorico che deve ancora prendere forma ed è per questo che Vanessa decide di rifarsi ad una  pittura figurativa- quella cioè che maggiormente conosce. Ma la cosa essenziale, in quel momento, è essere lì e rompere il guscio.

Un anno dopo.

Il passaggio tra una pittura figurativa, nella quale si possono comunque distinguere già vari elementi simbolici e metafisici e l’attuale espressione artistica di Vanessa Gai, è descritto nel quadro che prende il titolo  “1°”, piccola superficie di 60x60cm, realizzato nell’estate del 2009.
Una nuova cifra pittorica dunque, nata per gioco, nella quale il linguaggio non sembra affatto embrionale, piuttosto si vede già chiaramente quello che la Gai ha deciso di intraprendere. Non a caso, forse, l’uso del colore bianco; non a caso l’intrecciare, con eccellente maestria, l’ordito e la trama di tessuti, per dare vita, con estrema forza e chiarezza, ai nodi.

Nodo, intreccio e colore bianco: questi tre elementi diventano le nuove fondamenta a rappresentanza di quel doversi ritrovare, di quel voler emergere. Ecco allora che, legittimamente, parlo di ri-nascita che si manifesta nel complesso gioco cromatico e materico utilizzato dalla pittrice; yuta, nylon, cotone e colore che simboleggiano, puntualmente, la voglia di giocare, di tornare, sì ad una realtà,  però con  una dimensione intima ritrovata, più vera ed autentica che appartiene esclusivamente a Vanessa Gai.

Barbara Bacconi,
Art Curator
Firenze,2010
 

Tecnicamente si tratta di sculture modulari, componibili tra di loro quasi a voler giocare e trovare una loro “giusta” collocazione spaziale.  E, da ottimo artigiano qual è diventato Bruschi, l’artista si avvale di tecniche già in uso e da lui sfruttate per concepire le sue opere.
Platform è un lavoro che inizia da una procedura in positivo, lavorando la creta  “spingendola al di fuori”, creando  morbidi volumi,  vuoti e pieni che poi, nella colata in gesso, emergono in tutta la loro bellezza.
A noi l’onore di vedere l’altra faccia della medaglia, quella parte che Stefano non sa come verrà perché questo è uno dei punti importanti, nodo cruciale della poetica di Stefano Bruschi: lasciare fluire le proprie emozioni, veicolate sempre e comunque da una ottima capacità manuale, e lasciarsi andare a quel caso che non è casualità cieca ma pura curiosità di “quando tolgo l’argilla e vedo il risultato….”.
E’ lavorare su ciò che non si vede ma che si sente, piano, fluire a livello emotivo e, simultaneamente, è portare avanti una pura ricerca plastica ove trovare costantemente quell’equilibrio ed armonia tra la forma ed il colore che, per queste opere, tende all’avorio ed è molto legato al materiale usato dall’artista, cioè al gesso ceramico.
Un colore che c’è ma che non deve essere visto perché i soggetti trattati sono già carichi, presenti, esistenti e non hanno certo bisogno di essere enfatizzati dal colore anzi, esso li aiuta ad essere più puri e veritieri. Un colore che sta all’opera in una continua ricerca tra forma e cromatismo.

Non si tratta quindi di un colore ammiccante, semmai di un delicato preludio che ci accompagna nel gioco, tra le forme sempre morbide, che ci fa perdere fra i volumi ma che ci richiama e ci porta fuori dai vuoti per poi farci ricominciare da capo un percorso che, in Platform, non è mai lo stesso ma, come un work in progress, sembra cambiare e trasformarsi sempre in qualcosa di nuovo, in cui, “perdersi per trovarsi” sembra essere racchiuso nel linguaggio silente delle opere bruschiate.

Barbara Bacconi
Art Curator
Firenze, 2011

Alice Corbetta conserva tutto ciò che le piace e, così facendo, accumula un’enorme quantità di materiale che, al momento giusto, viene tirato fuori, rispolverato e, come nel caso delle wunderkammer, riciclato. Tutto questo materiale, nella poetica dell’artista, potrebbe essere parodia di se stesso perché, in primo luogo, l’uso che ne fa l’artista richiama, in parte, chiaramente, proprio quell’assurdo accumulo di materiale e alla difficoltà di ognuno a separarsene; inoltre esso è materiale da usare per creare questi  particolari e singolari mondi in cui diventa quasi necessario riconnotare tutto.

La prima wunderkammer è realizzata dopo una visita a Berlino, quando Alice ha voglia di rimettere insieme i pezzi di questo viaggio.  “L’onda di Berlino” sembra rispecchiare fedelmente ogni tappa, emotiva e geografica vissuta dall’artista: sullo sfondo di questo primo teatro appare la mappa della metropolitana della città sormontata da un aereo gigante che sembra troneggiare su un cielo lieve e, sotto, in primo piano, papaveri campeggiano e coprono, come enormi querce, alberelli colorati fatti di feltro uno accanto all’altro, in un perfetto ordine ed equilibrio, chiaro riferimento al fatto che a Berlino non ci sono parchi e la gente crea il suo piccolo giardino sul balcone.
Ed ecco allora la perizia compositiva di Alice Corbetta, questa sua attenta osservazione della realtà circostante, attenta alle emozioni, attenta a una natura che deve essere conservata per cui, l’oggetto wunderkammer, sembra assolvere perfettamente alla sua funzione: mantenere per trasmettere per far riflettere per ripartire con nuovi input.

“Natura sottovuoto” racchiude due significati, il primo rimanda alla difficoltà di trovare ancora della natura incontaminata e quindi la necessità, per l’artista, di doverla preservare per poterne trasmettere tutta la sua bellezza alle generazioni future, come simbolo di cultura e rispetto; dall’altra parte, forse conseguenza della prima riflessione che ci porta a fare Alice, ci colpiscono le forti immagini, ritagliate accuratamente e poi incollate nella scatola, nelle quali si vedono alcuni bambini che giocano ma costretti a farlo dentro le inusuali palle di plastica, perché l’ambiente in cui vivono è inquinato, per cui impraticabile, naturale conseguenza di atti distruttivi da parte dell’uomo.
In “Tuttotantotroppo” Alice ritorna a lavorare sul tema dell’accumulo, chiara ossessione dell’uomo moderno, circondato proprio da quel “tutto” che lo fa sentire potente, ricco, magari anche felice, un uomo che sembra quasi cibarsi di quel “tanto” che non può non diventare un “troppo”, chiaro simbolo di eccesso e forse stupidità. Di un “tanto” che diventa “troppo” quando è intrappolato nelle ordite maglie dell’attaccamento. L’artista ci racconta di un riempimento, di tutto quell’eccesso del quale, ad un certo punto, ci sentiamo schiacciati, che non ci dà più sicurezze ma solo assuefazione, e poi, lunga solitudine.

In “Serate Illuminate” Alice fa un passo evolutivo, aggiungendo una pellicola lenticolare prismatica curvata sul davanti della wunderkammer come fosse un filtro protettivo dietro al quale si dipana tutto un gioco di illusioni, create, appunto, dalla curvatura della pellicola che dà origine a magnifici ologrammi. Immagini di carta, accuratamente ritagliate, rappresentano alcune donne che fluttuano in acqua, elemento prezioso per Alice Corbetta e che diventa veicolo esso stesso di proiezioni speciali grazie alle quali chi osserva entra in una dimensione surreale.
Le wunderkammer di Alice sono otto piccoli mondi, teatri di reminescenze in cui però la memoria diventa principio attivo di un presente appena svanito e di un futuro che trova le radici in una riflessione sull’uomo ed il suo ambiente; teatri in cui giocare e lasciarsi andare ad una elegante magia e ad una fervida suggestione.

Barbara Bacconi
Art Curator
Florencia, 2011

Sculture o feticci? Icone direi, dove ogni tentativo di dare significato al titolo che essi portano diventa vano, o, casomai, esso lo possiamo ritrovare in una fervida fantasia adolescenziale, a quando Saltini dava un soprannome ai suoi amici livornesi o all’influenza dei caroselli degli anni ’70. Comunque lo vogliamo vedere Riccardo parte dal nome, da una sensazione, da un ricordo e, da lì, crea il feticcio impregnato di simbolismo e di un forte impatto scenografico, perché “l’oggetto luminoso deve attirare l’attenzione, è come l’uomo che arriva dallo spazio”.

I due elementi tecnici dei quali si avvale essenzialmente Saltini sono polistirolo ricoperto di resina colorata e la luce dei led. La luce, nel linguaggio dell’artista, ricopre un ruolo quasi primario giacché essa è energia, è “segnale”, è elemento di visibilità, è spia, e che, come in “Electro”, rappresenta e rimanda a un’anima che ancora vibra.

Una condizione d’illuminata presenza quindi, di una ricerca che volge non solo alla materia ma anche al divertimento, che si esprime nella linea grafica della scultura, che è sintesi e piacere e che, in ultima, è metafora dell’uomo moderno.
Infatti, Saltini, si avvale di un feticcio proveniente dallo spazio – contemporaneo super eroe, per esprimere quell’umana condizione a credere che la nostra apparenza sia esattamente la nostra sostanza nella quale ci adagiamo e ci mascheriamo raccogliendo attorno e su di noi luccichii, stravaganze, egocentrismi. Insomma: vogliamo credere di essere super uomini, scappare dalla quotidianità per farci però ritorno in una maniera artificiosa e plateale perché solo questa messa in scena sembra essere l’unico modo di catturare attenzioni e consensi.

Saltini lavora in tridimensionalità anche nei quadri in cui la ricerca materica diventa più accentuata e la superficie si avvale di altre simbologie, pur mantenendo quell’elemento vitale del suo linguaggio, cioè emulare la realtà ed in cui continuare a voler sorprendere e a giocare sulle percezioni materiche e sensoriali a cui,  i materiali usati, rimandano.

“Qblack” è composto di una superficie vischiosa e scura, simile in tutto alla consistenza del petrolio: stesso colore, stesso odore. Da questa marea scura che sembra voler ostruire ogni cosa si ergono esili radici bianche, resistenti brandelli di vita, natura contaminata ma pur sempre natura, ricordo e riflessione sul concetto d’inseparabilità tra l’uomo e il suo ambiente.
“Raahamet”, reminiscenza dei nomi dei monoliti maya, racconta la storia di un passaggio, del camminare lento e silente di una lumaca o di un insetto che lascia la sua traccia, testimonianza di vita, ma anche incontri, strade che s’incrociano in un flusso senza né inizio né fine.
“Icon”  è una serie recente di lavori in cui vi è espressa anche una ricerca grafica dell’elemento in uso. Il fil di ferro in questa rappresentazione gioca un ruolo estetico ed emotivo principale perché, non solo contrasta con il volume dell’acqua che ne fa da base, ma ne impedisce, con forza, il suo flusso naturale, la blocca, la occlude. Similmente lo stesso gioco emotivo lo ritroviamo in “Icon2”  in cui una zanzariera di metallo rivestita di resina blocca l’elemento sottostante.
Ad  un attento esame però ci rendiamo conto che non si tratta per l’artista di bloccare o contrarre un elemento materico a discapito degli altri, semmai il bloccare uno o più elementi emulati serve a Saltini a creare quel momento catartico in cui ogni oggetto usato esce dalla propria bidimensionalità per darsi a nuova vita.

Barbara Bacconi
Art Curator
Florencia, 2011

Este vídeo nos ofrece tres elementos esenciales: un museo cargado de historia y de cultura; un atleta que efectúa su performance; una comparación.
Toda la performance se desarrolla en un site-specific de la excelencia, el Louvre, en una de sus galerías adonde 24 impresionantes cuadros, pintados por Rubens, representan las etapas fundamentales de  la vida de María dé Medici, reina de Francia desde 1600 hasta 1610.

Un museo entonces, un lugar sagrado, inviolable, depositario de una cultura que ya “ha sido”; un lugar en el cual las obras se perpetuán en el tiempo; un lugar en el cual ellas mismas invitan el visitante en un viaje temeroso en la historia: debemos sólo mirar, escucharnos a nosotros mismos, percibir con los sentidos. Nada más.

Entonces hablamos de una performance, de una acción que no tiene un específico ápice: aquí todo se hace importante, todo es contextualizado adentro de la galería. La acción es tranquila como si siguiera un ritmo sin particulares modulaciones y, desde el comienzo, ya podemos saborear aquella que será the regulating line.

Entrar, observar, desnudarse, caminar: de esta forma empieza la búsqueda de nuestro personaje principal, una búsqueda que, como ya dije, tiene sabor de comparación, de nuevos significados culturales y estéticos.

Los grandes cuadros en frente a los cuales se queda son “El tratado de Angulema” y “La paz de Amberes”; a sus espaldas vemos “La instrucción  de la reina “e “Enrique IV recibe el retrato de la reina“: una pintura claramente ampulosa, grandiosa y no sólo por el tema tratado; una pintura donde el color juega un papel fundamental y en la cual hay un marcado gusto por la redondez femenina y por la poderosa anatomía.
Justo en esta dimensión espacio-tiempo-estética  Nashat juega su fuerte contraposición: 30 segundos para realizar una nueva experiencia conceptual y estética; 30 segundos de tensión física y psicológica, dirigidas a mostrarnos la dificultad que está implícita en cada intento por alcanzar un ideal significante.

Seguramente el trabajo de Nasht necesitaba de un site specific como es lo de un museo: ¡no podría ser de otra manera!El museo se convierte él mismo en un personaje, un contenido y un recipiente. Un lugar donde cada obra parece seguir un perfecto orden cronológico pero que puede, también, transformarse en un lugar representativo de una nueva corriente estética. Eso es el punto que me parece más interesante del trabajo de Nashat, es decir: subrayar, de una manera muy sencilla esta oportunidad, esta ocasión, relativa no sólo al cambio de corriente en el arte sino a la concepción del museo-lugar.

La performance es sencilla en cada su momento, desde el principio hasta el final y, si existe una climax esta se resuelve en 30 segundos, para depauperar el museo de una convicción absoluta y universal que le dio el hombre a lo largo del tiempo, es decir: lo de ser el único  lugar representativo del arte.

Barbara Bacconi
Art Curator
ARTIUM Vitoria-Gasteiz, 2011

Un “Living The Studio” estudiado ad hoc, para involucrar los amantes del arte en una nueva aventura cuyo contenedor no fuese el clásico espacio museístico o la galería, y pensé en el estudio del artista, espacio por excelencia de investigaciones, desarrollo, sufrimiento, ideas.
Un lugar que puede, sin duda alguna, ser transformado además, en un espacio de intercambio; un lugar en el que el artista, el curador y el público, puedan interactuar de una manera más cercana respecto a lo habitual.

Open Studio nace de ahí, desde esta intención de mostrar, más bien, enseñar el potencial creador que puede surgir cuando un curador encuentra la labor de un artista: se crea un hecho alquímico que muy difícilmente se puede explicar con las palabras, aunque estas sean tan importantes.
Una alquimia que se puede «solo» experimentar.

Open Studio – Living The Studio, ha abierto las puertas del estudio del artista murciano Pol Coronado, afincado en Valencia desde la adolescencia.
Un recorrido artístico formado por un lenguaje que se ha ido construyendo, y evolucionando, a lo largo de 15 años, cuando el artista empezó a dar los primeros pasos en el arte plástico, viniendo del mundo de la gráfica.

Una experiencia artística muy personal y peculiar -sin duda alguna- la de Pol Coronado, que se sirve de muchos símbolos y roba, a la cotidianidad,  acontecimientos y, casi siempre, objetos para utilizarlos en sus obras. Colores, texturas, materiales diferentes reinan en todo su recorrido.

Tal vez un lenguaje que, por sus características, se puede acercar a un nuevo Pop, cruzando y mezclándose con un kitsch, heredando de esto únicamente una sana ironía.

Barbara Bacconi
Art Curator